Los Paraguas de Cherburgo: Película de Culto

Los Paraguas de Cherburgo
Por Wikipedia
Los paraguas de Cherburgo es una película francesa de 1964, del género musical a la manera de una ópera popular. Dirigida por Jacques Demy y protagonizada por Catherine Deneuve y Nino Castelnuovo en los papeles principales. La música fue compuesta por Michel Legrand.
Ganadora de tres premios en el Festival Internacional de Cine de Cannes 1964: la Palma de Oro, el premio OCIC Award y el Gran premio técnico.
Ganadora del premio Louis Delluc 1963.
Ganadora del Premio de la Crítica del Sindicato de Críticos de Cine Francés 1964.
La acción transcurre entre 1957 y 1963. Se divide en tres partes y escenas cronológicas.
La partida
La viuda Madame Emery y su hija Genevieve sobreviven vendiendo paraguas en su colorida tienda del puerto de Cherburgo. Genevieve está enamorada de Guy, un mecánico quien a poco de conocerla debe partir al servicio militar en la Guerra de Argelia.

La ausencia
Genevieve ha quedado embarazada de Guy, su madre la insta a casarse con Rolando, un rico joyero que está enamorado de ella y deseoso de casarse aún sabiendo que espera un hijo de otro hombre. Se casan y se mudan a Paris.

El regreso
Guy regresa, ha sido herido en la guerra, trabaja brevemente en el taller mecánico y se casa con Madeleine, la dulce enfermera que cuida a la tia que lo crió y que a diferencia de Genevieve lo esperó los dos años que estuvo destacado en Argelia. La tía muere y con la herencia Guy compra una estación de servicio.

En la última escena años después es Navidad y Guy está felizmente casado, tiene un hijo (Francois) y atiende a la rica Genevieve en su flamante estación de servicio. El breve encuentro será el último, la niña que acompaña a Genevieve es obviamente la hija de Guy, se llama Francoise. Cada uno seguirá su vida.

Clásico de la cinematografía de la década de 1960, es un film completamente cantado como si fuera una ópera popular usando voces sin impostación y dividida en partes: la partida, la ausencia y el retorno. Lacrimógena y sentimental historia de un primer amor y separación con situaciones domésticas y diálogos comunes y agridulce final tan exquisitamente concebida y dirigida que adquirió con el tiempo categoría de Película de culto.

Usa escenarios de estudio con una explosión de colores fuertes y la moda de esa década además de escenarios y situaciones domésticas y estereotipadas, por ejemplo, la tienda de paraguas es una invención del director ya que no existían tiendas destinadas al rubro.

Catapultó a la fama a la joven Catherine Deneuve que entonces contaba con 20 años de edad, siendo doblada por la cantante Danielle Licari

La cantante Christiane Legrand, hermana del compositor, dobló al personaje de la madre de Deneuve.

 

Un cuento Chino

Un Cuento Chino
Por: Darío Valle Risoto

Con el cine Argentino me pasa exactamente lo mismo que con el cine español, tengo la sensación muy frecuente que sus películas son o muy buenas llegando a la excelencia o una total basura sin términos medios como si me sucede con la mayoría del cine Usamericano y quizás también con el resto de los países de Europa aunque salvo de Francia, Italia e Inglaterra conozco bastante poco como para largar una sentencia de este tipo.

A lo nuestro, hay una cosa muy clara en cuanto al cine Argentino desde un tiempo a esta parte y es que Ricardo Darín es uno de los principales actores y creo firmemente que el tipo tiene tal profesionalismo que no acepta un guión si este no es bueno como el carajo y este es un claro ejemplo.

Así que tenemos en el párrafo uno que el cine Argentino es muy bueno o muy malo y en este caso “Un Cuento Chino” es del primero y con un actor de primerísima línea. ¿Qué más le hacía falta?: Originalidad, condición no absoluta ni única para hacer cine del bueno pero que dignifica cualquier obra Encima le agregamos una serie de ingredientes como los de la obra que nos compete hoy que yo calificaría de una “Sinfonía sobre la soledad, el exilio y la solidaridad en clave porteña pero con proyección universal”.

Y lo que para mí es la cereza de la torta es que tiene en su compañero de actuación un ignoto actor chino, al menos para mí: un excelente compañero que en su rol de catalizador de la vida del protagonista demuestra una calidad actoral tan grande como la de Ricardo.  Una película intemporal, plena de pistas y de señales sobre los seres humanos y nuestra condición de solitarios entre solitarios y un perfecto relato con un balance entre el realismo mágico y la realidad más pura y hasta grosera que nos deja petrificados por un rato aún después de los títulos en chino/español.

¿Por qué no les cuento más de la historia?: Porque es mejor que la vean lo más vírgenes posible y así la disfrutan como se debe.

 
 Elenco con Sebastián Borenztein
Soledad, exilio y una vaca

Falling Skies: Spielberg y la maldición de ET

Falling Skies
Por: Darío Valle Risoto

Que a uno le apasione la ciencia ficción no es razón para que le insulten la inteligencia con tamaña porquería pero hay que admitirlo, a los quince minutos de comenzar el capítulo piloto de Falling Skies ya me latió que me estaban vendiendo otra vez el mismo cuento ya gastado en innumerables películas que parecen remakes de “La guerra de los mundos”. Bien algunas como la excepcional “Día de la Independencia” y muchos otros bodrios subsiguientes con extraterrestres insectos, babosos, apestosos, etc.

Según me entero en Internet que se batieron varios récords de audiencia en el debut de esta serie producida por el muchas veces sobrevalorado Steven Spielberg que de alguna manera intenta competir con el éxito de Game of Thornes de HBO y quizás nos podría servir para soportar la espera por la segunda temporada de “The walking dead” o podríamos ir a más y creer que seguramente estaría mejor que la remake de la serie: “V Invasión”… pero no, es aún peor que esta última.

La primera sensación que tuve es que es una serie muy barata, no puedo evitar ver lo que veo a diversos niveles y por algunos momentos es tan evidente que “regaron” las calles de cosas para aparentar que la tierra estaba devastada que parecía una de aquellas series setentonas que se hacían con dos dólares. El cast es muy limitado y al argumento brilla por su ausencia más no sean los diálogos trillados entre los militares y los civiles y mensiones asquerosas a la guerra civil norteamericana y casi me vomito en el living porque….¡¡¡¡¡No podía faltar!!!!! : La boluda que comienza a decir que reza para preguntarle a dios que puede hacer por él, mientras los bichos del espacio exterior le han comido el culo a media humanidad.

Las escenas de acción apestan, los chicos a los que se les pegó un bicho a la espalda recuerdan malamente a una copia de “El Eternauta” y los robots mecánicos tienen la forma de juguetes grandes a los que solo les falta una lucecita intermitente en la cabeza.

Pero soy valiente y me la vi toda, dos horas con los cojones hervidos con tantas idas y venidas de los tipos buscando alimento, les extraterrestres que pasan en naves demasiado despegadas del entorno donde se nota el trabajo barato digital y una lejana torre que parece el resto de un edificio en construcción donde seguramente los insectos esperan a que los héroes norteamericanos nos maten a todos con esta serie de mierda.
Disculpen, fue mi primera impresión, tal vez mejore…
Los sobrevivientes a plena luz del día se trasladan: ¿Los aliens duermen la siesta?

La Herencia Valdemar

La herencia Valdemar
Por: Darío Valle Risoto

Película de terror clásico española inspirada en la obra de H.P.Lovecraft que es la opera prima del director José Luís Alemán y que cuenta con un buen elenco liderado por el actor italiano Daniele Liotti. Interesante primera parte de dos, la segunda se acaba de estrenar aunque yo acabo de ver ayer la primera parte y contra algunas críticas negativas creo que es una buena película sobretodo porque puede trasladar la atmósfera de Lovecraft tan agobiante y siniestra que no necesita de muchos diálogos sino de las imágenes y lo que ellas esconden entre sombras y contraluces.

Una vieja casa guarda un tremendo secreto y tras la visita de un par de tasadores de una inmobiliaria se vuelven a rescatar los recuerdos de una familia que se ve inmersa dentro del terror desatado al traer una criatura de las profundidades, tras un ritual dirigido nada menos que por Alistair Crowley y otros conocidos ocultistas, entre ellos el mismo Bram Stoker. Buenas escenas para una historia que emula aquellos queridos cuentos del terror gótico que tanto nos gustan y se aparta por suerte de la proliferación del terror gore y sin sentido de los últimos tiempos donde parece que es más importante mostrar a seres torturados y/o desmembrados o destripados que llevarnos por el suspenso sicológico.

Según Wikipedia la obra fue muy criticada pero la verdad que no es mala en absoluto y probablemente la gente se haya vuelto crítica con este tipo de cine por la ausencia de los elementos antes citados ya que en los últimos años muchas veces se sacrifican determinados giros literarios a merced de imágenes sangrientas que bien podrían ser sugeridas. Los efectos de la obra están muy buenos, me gusto el actor que encarna a Crowley y algunos diálogos no son para nada despreciables, la verdad que me gustó mucho sobretodo la fotografía y la atmósfera de la casa tanto que me dan ganas de comprarme una.

Solo faltó alguna mención al Necronomicon aunque se deja ver un libro muy similar antes de que se inicie el ritual cuando se alineen los planetas, tal vez en su conclusión la historia cierre como promete será bueno de disfrutar.

PD: Un imperdonable olvido es la participación  de Paul Natchy en el papel de mayordomo de la casa en una de sus últimas y memorables actuaciones.

 Se alquila casita modesta y pacífica
 
Una visita inesperada

Fui a ver X-Men First Class

mfm_uy_x-men_first-class_poster-2

X-Men First Class
Por: Darío Valle Risoto

Acabo de llegar del cine y fui a ver esta película que si bien me había generado cierta urgencia por los trailers, algunos comentarios me habían decepcionado un poco y eso que evito leer comentarios de aquellas películas que pienso ver personalmente en el cine porque se muy bien que mi gusto es bastante especial en algunos casos. Pero algo leí sin querer y eran todos más o menos negativos.

Con el cine de superhéroes a menudo me sucede que la gente que va a verlos si pertenece a los fans del cómic, me vuelven loco con sus comentarios despectivos, tal parece que todos quieren ser directores, guionistas o se creen con el derecho de juzgar si las obras son fieles al cómic o no y allí está su principal error. Cómic es cómic y cine es cine, lo mismo pasa con las obras literarias llevadas a la pantalla pero ya he referido a eso en otras columnas.

En cuanto a X-Men First Class creo que acabo de ver una película excelente y magnífica a la altura de toda la trilogía de X-Men de la que no tengo ninguna objeción y solo me decepcionó un poco la película posterior de Wolverine pero porque no llega a la altura sin ser mala en absoluto. La idea de reeditar a los X-Men desde su origen me daba un poco de preocupación tal como me sucede con la próxima película de Spiderman, en este caso se han salvado con una gran película que yo calificaría de entre las mejores sobre superhéroes de la historia del cine.

Dinámica, con excelentes actuaciones, pletórica de acción y cerrando perfectamente con las historias ya vistas X-Men First Class me deja con la tranquilidad de haber soportado esta tarde-noche invernal en Montevideo para ir al cine y volver con aquella vieja sonrisa de niño cuando dejaba mi querido cine Intermezzo después de una buena matinée.

Todos los personajes están perfectos y hasta el actor que interpreta a Xavier que en los trailers no me convencía me hizo cambiar de idea, muy buenos los tips que hacen mención a varios mutantes por venir, Mistique, Banshee, etc. y el origen de Beast, así como la intriga internacional en torno a la guerra fría entre Usa y la Unión Soviética ya que la película se desarrolla hasta 1962 crisis de los misiles cubanos mediante.

Muy pero muy buena y por suerte no le hice caso a los pelotillas que se la pasan buscándole el pelo al huevo, buena aventura, mejor entretenimiento y recomendable para todos. Si no la vieron corran al cine, lamentablemente en Montevideo será quitada de las carteleras en una semana más o menos.
Por último como todo nerd me quedé a leer los créditos y claro, tenía que estar co escrita por Brian Singer que tanto le hizo de bien a la trilogía con las dos primeras presentaciones de los mutantes.

 

Una muy buena nueva versión de los X-Men

Peter Falk: El Mejor detective de la TV

Peter Michael Falk
Por Wikipedia

Peter Michael Falk (Nueva York, 16 de septiembre de 1927- Beverly Hills, California, Estados Unidos, 23 de junio de 2011) fue un actor estadounidense de origen polaco-ruso.

Peter Falk nació en Nueva York, hijo de Michael Falk y Madeline Hauser Falk y descendiente de Miksa Falk, editor del periódico húngaro liberal Pester Lloyd. A pesar de la creencia popular, no es de origen italiano, sino que sus ascendientes provienen de distintos países de Europa del Este (su madre era rusa y su padre era polaco, con antepasados húngaros y checos). A los tres años perdió uno de sus ojos debido a un tumor maligno, hecho por lo que se le implantaría un ojo de cristal por el que fue mundialmente famoso.

Estudió en el Ossining High School de Westchester County, Nueva York. Cuando tenía 12 años subió por primera vez a los escenarios con la obra “Piratas de Penzance”. Después de graduarse, intentó alistarse en los marines de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, pero fue rechazado debido a su ojo de cristal. Decidido a hacerse a la mar, trabajó durante un año como cocinero en un barco mercante, antes de licenciarse en ciencias políticas en el New School University de 1951 y conseguir un máster de administración pública en la Syracuse University en 1953. Intentó trabajar para la CIA antes de convertirse en director de análisis de la Oficina Presupuestaria de Connecticut en Hartford.

Más tarde, decidió estudiar interpretación en el White Barn Theatre de Westport, Connecticut, en 1956 a la edad de 29 años, por lo que se trasladó a Greenwich Village. Su primer papel profesional fue en el Off Broadway con el Don Juan de Molière en el Fourth Street Theatre el 3 de enero de 1956. Durante los siguientes años, Falk estuvo trabajando en todos los escenarios alternativos de Nueva York.

En 1960 se trasladó a Hollywood para iniciar su carrera en el cine. En 1961, debuta en El sindicato del crimen (Murder, Inc.), interpretación que le vale su primera nominación como mejor actor de reparto al Oscar. Ese mismo año también recibe una nominación a los premios Emmy por su papel de drogadicto en “The Law and Mister Jones”. En 1961, nuevo papel de Peter Falk y nueva nominación como mejor actor secundario para los Oscar; en esta ocasión por el largo de Frank Capra Un gángster para un milagro (1961) (Pocketful of Miracles). Y también fue nominado a los Emmy por “The Prince of tomatoes” que, esta vez sí que ganó.

En 1965, Falk consigue un grado importante de popularidad por su interpretación de Daniel O’Brien en “The trials of O’Brien”. Pero no sería hasta la encarnación de un tímido y olvidadizo detective Columbo en la serie del mismo nombre (aunque llamada “Columbo” en versión original), por lo que Falk llegaría al estrellato.

Pensado como un telefilme, la primera aparición de Columbo fue Prescription: Murder el 20 de febrero de 1968 por NBC y fue un éxito total. Debido a eso, la cadena encargó una segunda película, que se estrenó el 1 de marzo de 1971 bajo el título Ransom for a Dead Man, segundo telefilm de Columbo al que se puede considerar como piloto para la serie que siguió después.

Vestido siempre con la misma gabardina, camisa, corbata y zapatos a lo largo de todos los episodios, Columbo era la antítesis del detective. A pesar de ser despistado y olvidadizo (aunque probablemente fingiéndolo), Colombo siempre llegaba al fin de las investigaciones acusando al verdadero culpable. La inmensa popularidad del personaje tuvo su cénit en 1975, cuando el salario de Falk subió a $ 125.000 (uno de los más altos de la época) por episodio y recibió cinco premios Emmy por su interpretación y un Globo de Oro. “Columbo” finalizó su primera época en 1977-1978. Diez años después, el detective retornó en una serie de telefilmes, aunque sin emitirse con regularidad.

Falk fue alternando su trabajo como detective Colombo con otros proyectos. Es famoso su duelo interpretativo junto a Alan Arkin en la película de Arthur Hiller Los suegros o sus aportaciones a las películas de John Cassavetes (Una mujer bajo la influencia, Un hombre en apuros) o de Wim Wenders’ (El cielo sobre Berlín, Tan lejos, tan cerca). Además, en 1972 obtuvo un premio Tony por su papel en la comedia de Neil Simon The Prisoner of Second Avenue, que interpretó en Broadway.
Además, Falk se dedica a la pintura, donde también ha sido reconocido por la crítica.

 Gracias Columbo por demostrar que en la televisión es posible hacer que la gente piense.

Se viene la minería a cielo abierto al Uruguay

Juin 2011,  accionsinfronteras – A las plantas de celulosa, al vertedero de basura industrial de Empalme Olmos, al monocultivo de soja transgénica… se le suma otro proyecto más que amenaza la tierra: la minería a cielo abierto.

La minería a cielo abierto es una de las actividades industriales más agresivas con la tierra. Remueve la capa superficial del suelo para hacer accesibles los yacimientos de mineral. Para sacar los minerales se utiliza maquinaria pesada y explosivos, creando inmensos cráteres que pueden llegar a ocupar más de 100 hectáreas y alcanzan los 800 metros de profundidad.
 

La zona utilizada por la minera Aratirí, de pronta instalación, abarcará las inmediaciones de Pueblo Valentines, Cerro Chato y Paraje Las Palmas, cubrirá una extensión de 11.500 hectáreas y la empresa se reserva el uso de 120.000 hectáreas para actividades de prospección y exploración. Los departamentos de Treinta y Tres, Florida, Durazno y Cerro Largo se verán directamente afectados, además de Lavalleja y Rocha, por donde pasará el mineroducto que llevará el hierro hacia un puerto que se construirá en La Angostura (próximo al balneario La Esmeralda).
 
La minera Aratirí generará:
– Impacto sobre el suelo: la minería a cielo abierto implica la eliminación del suelo en el área de explotación y produce un resecamiento del suelo en la zona circundante. También suele provocar hundimientos y la formación de pantanos en caso de que el nivel de las aguas subterráneas vuelva a subir. Además, provoca la inhabilitación de suelos por apilamiento de material sobrante.
– Contaminación del aire: Se liberan al aire impurezas sólidas, polvo y combustibles tóxicos o inertes (capaces de penetrar hasta los pulmones), provenientes de diversas fases del proceso.
– Contaminación de aguas superficiales: Los residuos sólidos finos provenientes del área de explotación darán lugar a una elevación de la capa de sedimentos en los ríos de la zona. Diques y lagunas de oxidación mal construidas o mal mantenidas, o inadecuado manejo, almacenamiento o transporte de insumos (como combustibles, lubricantes, reactivos químicos y residuos líquidos) pueden conducir a la contaminación de las aguas superficiales.
– Contaminación de las aguas subterráneas: aguas contaminadas con aceite usado, con reactivos, con sales minerales provenientes de botaderos de productos sólidos residuales de los procesos de tratamiento, así como agua de lluvia contaminada con contenidos de dichos botaderos.
– Impacto sobre la vegetación: la eliminación de la vegetación en el área de las operaciones mineras, así como una destrucción parcial o una modificación de la vegetación en el área, debido a la alteración del nivel subterráneo. También puede provocar una presión sobre los montes existentes en el área, que pueden verse destruidos por el proceso de explotación.
– Contaminación sonora: generada por el ruido producido en las distintas operaciones, como por ejemplo: en la trituración y en la molienda, en la generación de energía, en el transporte y en la carga y descarga de minerales.
 
¿Qué proponemos?
Proponemos la construcción de un mundo en el cual nuestro relacionamiento con el medio parta y se desarrolle en armonía. En donde la matriz energética no amenace con destruirnos y no sea una excusa para mantener y desarrollar el control sobre nuestras vidas.
Buscamos una vida placentera basada en la solidaridad y el apoyo mutuo, donde las necesidades sean una consecuencia del libre desarrollo de las personas.
Las necesidades que el capitalismo nos impone, el gasto desmesurado de energía, la necesidad de más y más energía para consumir y consumir nos arrastran a la falsa idea de que tenemos que tener y apoyar este tipo de mega-proyectos. La realidad puede ser otra pero no sin modificar las bases sobre la cual se apoyan nuestras vidas…
 
¡NO a Aratirí ni a ningún otro proyecto que amenace la tierra!

Este artículo proviene de la página: hacer clic aquí, escrito por Mutine

Que son las Minas a Cielo Abierto?

Mina a cielo abierto
Según Wikipedia

Se llaman minas a cielo abierto, y también minas a tajo abierto, a las explotaciones mineras que se desarrollan en la superficie del terreno, a diferencia de las subterráneas, que se desarrollan bajo ella.

Para la explotación de una mina a cielo abierto, a veces, es necesario excavar, con medios mecánicos o con explosivos, los terrenos que recubren o rodean la formación geológica que forma el yacimiento. Estos materiales se denominan, genéricamente, estéril, mientras que a la formación a explotar se le llama mineral. El estéril excavado es necesario apilarlo en escombreras fuera del área final que ocupará la explotación, con vistas a su utilización en la restauración de la mina una vez terminada su explotación.

Las minas a cielo abierto son económicamente rentables cuando los yacimientos afloran en superficie, se encuentran cerca de la superficie, con un recubrimiento pequeño o la competencia del terreno no es estructuralmente adecuada para trabajos subterráneos (como ocurre con la arena o la grava). Cuando la profundidad del yacimiento aumenta, la ventaja económica del cielo abierto disminuye en favor de la explotación mediante minería subterránea.

La minería a cielo abierto del oro en Argentina supone dinamitar la roca superficial y llevarla a pequeñas dimensiones; montañas enteras son convertidas en rocas y luego trituradas hasta lograr pulverizarlas; para lo cual se usan maquinarias mineras de grandes dimensiones, conocidas como bulldozers. Para extraer el mineral (o minerales) deseados se mezcla esta roca pulverizada con una sopa química con reactivos como cianuro, mercurio, ácido sulfúrico. Para este proceso se emplean enormes cantidades de agua y energía eléctrica.

Los principales tipos de minas a cielo abierto son:
Canteras

Las canteras son minas a cielo abierto, generalmente de pequeño tamaño, que explotan materiales que no requieren una concentración posterior, sino, como mucho, una trituración o clasificación por tamaños. Los materiales obtenidos en canteras son los áridos, las rocas industriales y las rocas ornamentales.
El esquema típico de explotación es mediante bancos y bermas.

Cortas
Las cortas son explotaciones tridimensionales de yacimientos que evolucionan en profundidad, generalmente de sustancias metálicas, aunque también existen cortas de carbón.
La morfología típica de una corta es similar a un cono invertido.
El arranque del mineral y del estéril, sobremanera en las minas metálicas, se realiza generalmente mediante perforación y voladura. La carga se suele efectuar con palas cargadoras y el transporte mediante volquetes. En el caso de las cortas de carbón, el arranque del mismo se realiza mediante palas excavadores o rotopalas.

La dimensión final de la corta (su profundidad) viene dada por lo que se conoce como ratio: La proporción entre el estéril que hay que excavar con respecto al mineral que se va a explotar. Al aumentar la profundidad de la corta, el ratio aumenta, de manera que los costes de excavación del estéril aumentan, y por tanto los costes crecen.

Descubiertas
Las descubiertas son, básicamente, labores bidimensionales que se utilizan en yacimientos horizontales o casi horizontales. De esta manera la explotación se realiza a una cota más o menos constante.
La secuencia típica de una explotación por descubierta es:
    Retirada de la cubierta vegetal;
    Arranque del recubrimiento;
    Explotación de la capa; y
    Restauración

En algunos casos es posible realizar lo que se conoce como minería de transferencia. Consiste en utilizar los materiales arrancados del recubrimiento para realizar la restauración, sin necesidad de un apilamiento intermedio.

Casablanca

Casablanca
Según Wikipedia

Casablanca es una película estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (‘todos vienen al café de Rick’) de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que éste pueda continuar su lucha contra los nazis.

Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense,ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que éste pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un sólido inicio pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guion y el impacto emocional de la obra en su conjunto.

Casablanca se basa en Todos vienen al café de Rick (Everybody comes to Rick’s) de Murray Burnett y Joan Alison, una obra teatral que nunca fue puesta en escena. Cuando el especialista en análisis literario de la Warner Brothers, Stephen Karnot, leyó la obra, la calificó como una «tontería sofisticada»,no obstante le dio el visto bueno. Enseguida la editora encargada de los guiones, Irene Diamond, convenció al productor Hal B. Wallis para que comprara los derechos por $20,000, el precio más alto jamás pagado por una obra teatral que no hubiese sido puesta en escena. El proyecto de cine rebautizó la obra como Casablanca, quizás intentando imitar el éxito de la película de 1938 Argel. Así pues, el rodaje comenzó el 25 de mayo de 1942 y finalizó el 3 de agosto del mismo año alcanzando un costo de producción de $1,039,000 ($75,000 por encima del presupuesto). El costo no fue excepcionalmente alto, pero sí superior al promedio de su tiempo.

La película se rodó completamente en estudios, excepto una secuencia en la que se muestra la llegada del mayor Strasser, que se realizó en el Aeropuerto Van Nuys. La escenografía de la calle que fue usada para las escenas del exterior había sido recientemente construida para otro filme, The Desert Song, y tuvo que ser redecorada para los flashbacks de París. Dicho escenario permaneció en los almacenes de la Warner hasta la década de los 60. Por su parte, el set para el Café de Rick fue construido en tres partes inconexas, por lo que no se podría determinar en trazado lo que sería su planta. De hecho, en una escena se hace pasar a la cámara a través de una pared desde el área del café hacia el interior de la oficina de Rick. El fondo de la escena final, el cual muestra un avión pequeño modelo L-12 Electra Junior de la compañía Lockheed con personal caminando alrededor, fue armado usando extras de baja estatura y un avión de cartón dibujado a escala. Se usó humo, simulando neblina, para cubrir la apariencia poco convincente del modelo. El crítico de cine Roger Ebert calificó a Wallis como la «clave del equipo creativo» por la atención que puso a los detalles de producción (hasta el punto de haber insistido en tener un loro de verdad en el Bar del Loro Azul, Blue Parrot Bar, en inglés).

Por otra parte, la estatura de la actriz Ingrid Bergman causó algunos problemas. Bergman sobrepasaba por casi cinco centímetros a Bogart, por lo que el director Curtiz tuvo que elevar al actor sobre ladrillos o sentarlo sobre cojines en las escenas en las que aparecían juntos.

Los contratiempos alcanzaron al productor Hal B. Wallis cuando decidió, tras haber terminado el rodaje, que la línea final de la película sería: «Louis, pienso que éste es el comienzo de una bella amistad» («Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship»). Bogart tuvo que ser llamado un mes después de finalizada la filmación para doblar la frase.

Más tarde se pensó en introducir una escena que mostrara a Rick y Renault junto a un destacamento de soldados franceses libres, en un barco, alistándose para incorporarse a la invasión de 1942 a África del Norte por parte de las tropas aliadas. Sin embargo, resultó muy difícil conseguir al actor Claude Rains para la filmación, y la idea fue definitivamente abandonada cuando otro productor, David O. Selznick, señaló que «sería un error tremendo cambiar el final».

La obra de teatro original se inspiró en el viaje a Europa que hizo Murray Burnett en 1938, viaje durante el cual pudo visitar Viena justo antes del Anschluss. Murray visitó también la costa sur de Francia en la cual co-existían, no sin dificultad, asentamientos de nazis y refugiados. Los locales nocturnos de la zona inspiraron, pues, tanto el Café de Rick (especialmente uno llamado «Le Kat Ferrat») como el carácter del personaje Sam, el pianista (basado en un pianista negro que Burnett vio en Juan-les-Pins) En la obra teatral, el personaje de Ilsa era una estadounidense llamada Lois Meredith y no encontraba a Laszlo sino hasta después de que su relación parisina con Rick había terminado. Además, en la obra de teatro el personaje de Rick era un abogado.
Los primeros escritores principales en trabajar en el guion fueron los gemelos Epstein, Julius y Philip, quienes eliminaron el trasfondo del personaje Rick y aumentaron los elementos de comedia. Después intervino el otro escritor reconocido en los créditos, Howard Koch, pero trabajando en paralelo con ellos y haciendo énfasis en otros aspectos. Koch resaltó los elementos políticos y melodramáticos. Según parece, fue el director Curtiz quien favoreció las partes románticas, al insistir en que permanecieran los flashbacks hacia París. Aún a pesar del gran número de escritores involucrados, el filme tiene eso que Ebert describió como un guion de «maravillosa unidad y consistencia». Más tarde Koch afirmaría que fue la tensión que hubo entre su propia visión y la de Curtiz la que motivó que «sorpresivamente, estos acercamientos desparejos de alguna manera se ligaron, y quizá eso fue debido en parte a este tire y afloje entre Curtiz y yo, que le dio a la película un cierto balance». Julius Epstein anotaría posteriormente que el guion contenía «más maíz que en los Estados de Kansas y Iowa juntos. Pero cuando el maíz sirve, no hay nada mejor».La palabra inglesa original, corn (‘maíz’) también se refiere, en el slang, a un tipo de humor tonto, gastado, banal y sentimental.

El filme se topó con algunos problemas cuando Joseph Breen, miembro del cuerpo de auto-censura de la industria hollywoodense (el Production Code Administration), expresó su oposición a que el personaje del Capitán Renault solicitara favores sexuales a cambio de visados y a que los personajes de Rick e Ilsa hubieran dormido juntos en París. Ambos puntos, de todos modos, permanecieron en forma implícita en la versión final.

Dirección
La primera opción del productor, Hal Wallis, para dirigir la película fue William Wyler, pero como no estaba disponible Wallis decidió escoger, tras barajar varios nombres, a su amigo, el director Michael Curtiz. Curtiz era un judío emigrante de origen húngaro, que había llegado a los Estados Unidos en la década de los 20 y que contaba entre sus familiares a refugiados provenientes de la Europa Nazi. A decir de Roger Ebert, en Casablanca «muy pocas escenas son memorables en cuanto tales…», Curtiz se estuvo preocupando de usar las imágenes para contar una historia más que de usarlas por sí mismas.

De cualquier manera, el director tuvo poca influencia en el desarrollo de la trama: de acuerdo con Casey Robinson, Curtiz «no sabía nada de nada acerca de la historia… él veía imágenes y tú proporcionabas la historia». El crítico Andrew Sarris calificó la película como «la más decisiva excepción a la teoría de autor», a quien Aljean Harmetz replicó que «casi todas las películas de la Warner Bros. fueron una excepción a la teoría de autor». Sin embargo, otros críticos le dan mayor crédito a Curtiz; Sidney Rosenzweig, en su estudio sobre el trabajo del director, aprecia en el filme un ejemplo típico del modo en que Curtiz resalta los dilemas morales.
Los montajes de la segunda unidad, tales como la secuencia de apertura del tren de refugiados y la que muestra la invasión de Francia, fueron dirigidos por Don Siegel.

Dirección de fotografía
El director de fotografía fue Arthur Edeson, un experimentado artista que había trabajado previamente en El halcón maltés y en una versión de Frankenstein del año 1931.
Una mención especial merece la fotografía de Ingrid Bergman, en la que se puso especial cuidado. Ingrid fue fotografiada casi siempre en su perfil izquierdo, perfil preferido por la propia actriz, y en muchas ocasiones se aplicaba un filtro suavizador de tipo gaussiano y con catch lights para hacer que sus ojos destellaran. Estos efectos fueron diseñados para proporcionar a su rostro una apariencia «inefablemente triste, tierna y nostálgica».

Se aprecian además barras de sombras cruzándose con los personajes y con el fondo. Dichas sombras, según cada caso, poseen distintos significados: algunos muestran símbolos de encarcelamiento, el crucifijo, el símbolo de la Francia Libre y hasta confusión emocional. Además, la oscuridad del cine negro y la luz expresionista es usada en numerosas escenas, principalmente hacia el final de la película. Según Rosenzweig, estas luces y sombras son elementos clásicos del estilo de Curtiz, junto a la fluidez del trabajo de cámara y el uso del entorno como herramienta de encuadre.
Música
La música fue escrita por Max Steiner, compositor que había saltado a la fama por haber sido el artífice de la música de la película Lo que el viento se llevó. La canción As time goes by de Herman Hupfeld había sido escogida para formar parte de la obra de teatro original, y Steiner tenía previsto reemplazarla por una obra propia. Sin embargo, cuando el compositor quiso crear su propia obra para remplazarla, se encontró con que Ingrid Bergman ya se había cortado el cabello para protagonizar su siguiente papel cinematográfico (María, en Por quién doblan las campanas), por lo que no se podían volver a rodar las escenas en las que aparecía la canción. Por otra parte, cuando se estrenó la película la canción gozó de un resurgimiento que la posicionó 21 semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos. Así que Steiner basó por completo la música de la película en dicha canción y en La Marsellesa, el himno nacional francés, transformándolos para que reflejaran diversas situaciones. De nota excepcional es el «duelo de canciones» en que La Marsellesa compite —interpretada a todo pulmón por una orquesta completa— contra un pequeño grupo de alemanes que cantan «Die Wacht am Rhein» (El guardia sobre el río Rín) en el piano. Originalmente se había pensado para esta secuencia maestra en la canción «Horst Wessel Lied» (Canción de Horst Wessel), que era de facto el segundo himno nacional de la Alemania Nazi, pero éste se encontraba todavía bajo derechos reservados al menos en los países no aliados.
 

Conoces a Robert Crumb?

Robert Crumb
Por: Wikipedia

Robert Crumb ( Filadelfia, Pensilvania, 30 de agosto de 1943) es un historietista e ilustrador estadounidense. Fue uno de los fundadores del cómic underground y es quizá la figura más destacada de dicho movimiento. Aunque es uno de los más conocidos autores de cómic, su carrera se ha desarrollado siempre al margen de la industria.

Robert Crumb, uno de los cinco hijos del militar de carrera Charles V. Crumb, creció en un ambiente católico y conservador. Su interés por el cómic se despertó muy pronto gracias a su hermano mayor, Charles, quien, además de prestarle comic-books de E.C.Segar, Carl Barks y Walt Kelly, entre otros, le imponía la obligación de dibujar constantemente. Robert y sus hermanos produjeron pronto sus propios cómics (Foo, Crumb Brothers Almanac), que vendían por el vecindario. En 1956, Robert descubrió la revista Mad, y quedó fascinado por dibujantes como Harvey Kurtzman, Basil Wolverton y Will Elder.

En octubre de 1962 se trasladó a Cleveland, Ohio, donde encontró trabajo dibujando tarjetas de felicitación para la empresa American Greetings Card Company. Allí conoció, en 1964, a la que se convertiría en su primera esposa, Dana Morgan. En 1965 realizó algunos trabajos para una revista, Help, dirigida por Harvey Kurtzman. Alentado por la reacción favorable que encontraron algunos dibujos suyos publicados en fanzines underground, decidió en 1967 trasladarse a San Francisco, en pleno auge de la psicodelia y el flower power. Allí editó el primer número de su fanzine Zap Comix, a comienzos de 1968. Dicha publicación se considera el acta de nacimiento del cómic underground norteamericano.

 ¿Karaoke?
Utilizando el estilo de las tiras de prensa de comienzos del siglo XX, Crumb abordaba abiertamente en Zap Comix el sexo y la crítica política, lo cual resultó enormemente transgresivo en aquellos años, sobre todo teniendo en cuenta que el cómic en Estados Unidos había estado tradicionalmente orientado hacia el público juvenil. El éxito de su publicación atrajo a otros artistas interesados en la contracultura, y Crumb abrió las páginas de Zap Comix a autores como Spain Rodriguez, Rick Griffin, S. Clay Wilson, Victor Moscoso, Robert Williams y Gilbert Shelton.

En las páginas de Zap Comix, del East Village Other, de Oz y de muchas otras publicaciones underground, Crumb creó personajes que se convirtieron en iconos de la contracultura, como Mr. Natural, el Gato Fritz, Flakey Foont, Shuman the Human o Angelfood McSpade, los cuales “sienten el asco de la gran ciudad, son los sujetos a reprimir o exterminar porque no participan del modo de vida norteamericano” y exhiben “la perturbadora idea de que hay que gozar de la vida y rechazar todas las imposiciones”.

Crumb alcanzó con ellos una gran popularidad, y recibió encargos para diseñar portadas de discos de rock; obra suya es la cubierta del álbum “Cheap Thrills” ( 1968), del grupo Big Brother and the Holding Company, cuya cantante era Janis Joplin.

El director de películas de animación Ralph Bakshi produjo en 1972 un largometraje de dibujos animados sobre el gato Fritz (que fue, por cierto, la primera película de dibujos animados clasificada “X”). A pesar del éxito del filme, Crumb estuvo siempre en desacuerdo con la adaptación de su personaje al cine, y mostró su disgusto “matando” a Fritz en “The people’s comics” (1972), cuando una mujer-avestruz le destroza la cabeza con un picahielos.

En los años siguientes, decidió retirarse a una granja apartada, rechazando incluso ofertas de los Rolling Stones para dibujarles una portada. Tras la crisis de su primer matrimonio, se casó con Aline Kominsky, también dibujante de cómics, con la que colaboró en numerosas ocasiones. Continuó colaborando en innumerables publicaciones más o menos underground, desarrollando sus historietas autobiográficas – para algunos, lo más interesante de su obra -, en las que se explaya, entre otras cosas, sobre su difícil relación con las mujeres (notablemente mejorada cuando alcanzó el éxito, como él cínicamente admite) o su afición por el blues de los primeros tiempos. Su interés por la música no se limitó al coleccionismo (compulsivo) de discos de 78 r.p.m., sino que llegó a fundar su propio grupo de música tradicional, los Cheap Suit Serenaders, en el que toca el banjo. Gracias a su interés por el coleccionismo de discos antiguos, conoció al guionista Harvey Pekar, con quien colaboró en el cómic “American Splendor” ( 1976). Ese mismo año habría abandonado también el consumo de hierba, según confesión del propio autor a Harvey Kurtzman.

En marzo de 1981 fundó la revista Weirdo, que dirigió hasta su décimo número, cediendo el testigo a Peter Bagge; cuando Bagge se retiró, en el número 17, la dirección pasó a la esposa de Crumb, Aline Kominsky, hasta su cierre en el número 27.

En 1991 se instaló con Aline en el sur de Francia. Al año siguiente, su obra fue objeto de una importante exposición en el Festival del Cómic de Angulema. En 1994, Terry Zwigoff, viejo amigo de Crumb, dirigió un documental sobre su vida (“Crumb”, 1994), en el que tanto el artista como sus familiares colaboraron con absoluta entrega, y que es un documento indispensable para conocer sus peculiares obsesiones y su entorno familiar, marcado por las educación represiva de sus padres y las enfermedades mentales que fueron desarrollando sus hermanos.

El estilo gráfico de Crumb mezcla influencias de artistas de los primeros años del cómic, como Billy DeBeck, autor de la tira de “Barney Google”, C.E. Brock, Rube Goldberg y E.C. Segar (creador de Popeye). El autor ha citado también entre sus mayores influencias a Carl Barks (que dibujó para Disney historietas del Pato Donald), Harvey Kurtzman y John Stanley, el segundo autor de “La pequeña Lulú”, que adaptó para historieta larga.

En el terreno ideológico, el divulgador Javier Coma observa en los primeros cómics de Crumb, “por debajo de su enfrentamiento al Sistema, una postura crítica hacia las degeneraciones sociopolíticas de la contestación”, apuntándose “los retornos nostálgicos de Crumb a una vida anti-urbana pretérita, poetizada por las viejas costumbres y la genuina música popular”.

Las opiniones sobre la obra de Crumb están muy divididas. Para algunos críticos, es uno de los grandes artistas del siglo XX, comparable a escritores satíricos como François Rabelais, Jonathan Swift y Mark Twain, o a pintores como Brueghel y Goya. Otros, en cambio, desde posiciones feministas, han tachado su obra de pornografía misógina, degradante e inmadura. Es cierto que el autor, que no oculta en sus historietas autobiográficas sus obsesiones sexuales, no se ha preocupado nunca de mantenerse fiel a lo políticamente correcto, por lo que su lectura puede resultar incómoda y hasta ofensiva para algunos.

Es indudable, sin embargo, que el trabajo de Crumb ha tenido una repercusión enorme en la historia del cómic mundial, abriendo para la historieta temáticas anteriormente vedadas. Es más que notable su influencia en autores estadounidenses contemporáneos como Peter Bagge, Daniel Clowes y Joe Matt, entre muchos otros. En España, la divulgación de sus cómics fue determinante en la obra de autores como Gallardo, Max y Martí.