Applessed: Otra obra maestra de Masamune Shirow

Appleseed (película)
Por: Wikipedia

Appleseed (Appurushīdo) es un manga creado por Masamune Shirow. La serie sigue las aventuras de los miembros de ESWAT Deunan Knute y Briareos Hecatonchires en Olympus. Como es común en los trabajos de Masamune, Apleseed combina elementos de cyberpunk y mecha con alta carga política, filosofía y sociología. El manga fue publicado originalmente entre 1985 y 1989 con 4 tomos recopilatorios. Se adaptó en dos series de OVAS, dos películas para cine y dos video juegos. En España el manga ha sido publicado por Planeta DeAgostini,1​2​3​ también fueron licenciadas y distribuidas las tres películas relacionadas con Appleseed.​

Appleseed (2004)
Appleseed (Appurushīdo) es una película de anime, ciencia ficción y acción dirigida por Shinji Aramaki. Basada en el manga de Appleseed creado por Masamune Shirow, fue estrenada en Japón el 17 de mayo de 2004. La película cuenta la historia de Deunan Knute, de como ella busca los datos que pueden restaurar las capacidades reproductivas de los bioroides. Aunque esta película comparte ciertas características con la serie original, la línea de tiempo no tiene relación alguna con la OVA de 1988.

Argumento
En el año 2131, Deunan Knute, una joven, legendaria soldado y superviviente de la Tercera Guerra Mundial (la cual llevó a la Tierra al borde de la destrucción), junto a su amante y camarada Briareos (quien ahora es un ciborg), es llevada a una utópica ciudad llamada Olimpo, habitada por una especie creada artificialmente conocida como Bioroide. Allí se integra en la prestigiosa organización ES. W.A.T. para servir como guardián de la ciudad. Pero descubre que no es la tierra prometida que aparenta si no otro campo de batalla más.

Los bioroides tienen una esperanza de vida mucho menor que los humanos, debido a que se les ha suprimido la capacidad de reproducirse, son una especie igual a la humana pero modificada genéticamente para no tener sentimientos y así ayudar a mantener la estabilidad del mundo mientras vigilan que los humanos no se maten entre sí. Cuando los recursos que son utilizados en la expansión de la vida de los bioroides son destruidos por una facción secreta del ejército regular de Olimpo en un ataque terrorista como parte de una demostración de miedo y odio hacia los bioroides, se forma una crisis que requiere una solución inmediata, y se revela que los datos de Appleseed todavía existen a pesar de haber sido destruidos en gran parte.

Bajo la superficie, como podemos ver, Olimpo está plagado de facciones en conflicto. Algunos piensan que los bioroides son una amenaza al futuro de progreso de la Humanidad, mientras que otros piensan que los propios humanos son la amenaza. La última cuestión está sobre el derecho de todos a la vida, y si un grupo merece vivir más que el otro. En el centro del conflicto está Appleseed, los datos que pueden extender la vida Bioroide restaurando su capacidad reproductiva.

Personajes
Deunan Knute
Hija de Carl Knute y la Doctora Gilliam, Deunan, que está considerada como una hermosa guerrera de alto nivel, ha pasado casi toda su vida luchando en una guerra terminada, en su mayor parte al menos. Hasta que fue rescatada por un equipo ES.W.A.T. (Extra Special Weapons And Tactics) (Armas y Tácticas Super Especiales), liderado por Hitomi y su antiguo amante Briareos, en medio de una ciudad en ruinas justo después de que Deunan tuviera una corta pero fiera batalla con enemigos no identificados, fue finalmente evacuada de la Malatierra. Cuando llegó a Olimpo, el cambio de ambiente fue severo, pero fue un golpe mayor para ella encontrarse con Briareos y descubrir que era un ciborg tras haber perdido el 75% de su cuerpo original durante la última Guerra Mundial.

El día después de haber sido llevada a la ciudad de Olimpo, Deunan se enteró de que la mitad de la población de la ciudad estaba compuesta por humanos artificiales llamados Bioroides y que su nueva amiga, Hitomi, era una de ellos. Deunan también descubre que hay otras personas buscándola, sobre todo porque ella posee, sin saberlo, el secreto de «Appleseed». Ese interés se hará extremadamente importante cuando la vida de Hitomi corre peligro y los «Datos de Appleseed» serán necesarios para salvarla a ella y a toda la población bioroide de Olimpo. Pero si Deunan no conociera este detalle el descubrimiento de los «Datos de Appleseed» podrían condenar a la población humana a la extinción. Pero eso significaría desafiar al poderoso Ejército Regular de Olimpo (O.R.A.), compuesto únicamente por humanos y bajo el mando del General Edward Uranus III y el Coronel Hades.

Briareos Hecatonchires
Briareos era el amante de Deunan a la vez que su camarada en la batalla. Durante dos años de dura separación para ambos, fue gravemente herido en el frente del Norte de África. Cuando Hitomi y los Ancianos lo salvaron, tenía sobre el setenta y cinco por ciento del cuerpo reemplazado por componentes mecánicos de última tecnología, convirtiéndolo en un avanzadísimo cyborg. Durante la estancia de Deunan en Olimpo sus superiores de ES.W.A.T. le asignaron protegerla y comenzar a buscar los «Datos de Appleseed». En la historia original, Briareos era un hombre negro que vivía en el Mediterráneo y servía bajo las órdenes del Coronel Carl Knute, el padre de Deunan. En el manga original, Briareos y Deunan no están separados, y ella está bien enterada de los reemplazos cibernéticos de su cuerpo.

Athena Areios
Primera Ministra de Olimpo, Athena Areios es la primera Bioroide de primera generación creada por la madre de Deunan, la Doctora Gillian Knute, y fue su auxiliar de laboratorio hasta la muerte de la Doctora Knute. Como Athena no tiene las limitaciones emocionales de los bioroides de segunda generación, por esto ella tiene gran libertad para tratar de encontrar a Deunan con métodos «extraordinarios». Desde luego corre el riesgo de que el Consejo de Ancianos o el General Uranus puedan descubrirla y tomar acciones en su contra, así que ella y su jefe de personal Nike, deben ser muy cuidadosas.

Nike
Nike es la jefa de personal de Athena Areios, también la comandante en jefe de ES.W.A.T. Aunque es una bioroide de segunda generación y tiene sus emociones controladas, es extremadamente leal a Athena, por no mencionar el primer propósito de los bioroides: la salvación de la humanidad.

Hitomi
Es una bioroide de segunda generación, se encarga de reclutar miembros para ES.W.A.T. Lideró la misión para el rescate de Deunan en la Malatierra, sí como su establecimiento en Olimpo. Aunque sus emociones están reguladas, tiene interés en la emoción del amor, y le molesta el odio, especialmente el que expresan los soldados humanos del O.R.A. (Ejército Regular de Olimpo) hacia los bioroides.

Yoshitsune Miyamoto
Como bioroide de segunda generación, Yoshitsune Miyamoto… o «Yoshi», es el jefe mecánico y el diseñador de los Land Strider (armaduras mecanizadas) de ES.W.A.T. Le gustaría poder examinar más de cerca la armadura cibernética de Briareos, si él lo permitiera. Yoshi parece preocuparse por Hitomi (recordemos que es un bioroide).

Puede observarse que en el disco extra de la Edición del Director Norteamericana, Yoshitsune Miyamoto, es descrito como un humano.

General Edward Uranus III
Supremo comandante de las O.R.A., el General Edward Uranus III tiene un gran desagrado por Bioroids, y desea controlarlos o eliminarlos totalmente. Pero a diferencia de su subordinado Hades, a él no se le da la irracionalidad. Amigo de Carl Knute y la Dra. Gilliam, Uranus profundamente arrepentido de la muerte de la Dra. Gilliam quiere persuadir a Deunan para que los ayuda en sus planes.

Sin embargo, cuando el General Uranus fue alertado que el plan del concilio de anciabis para reemplazar a los humanos con Bioroids, cuando esterilizar a los humanos usando el «D-tank», voluntariamente se rinde, antes que ser usado como un títere de los planes del concilio.

Hades
El Coronel Hades es subordinado del General Uranus. Como él, desconfía de los bioroides. No obstante, su desconfianza ha pasado a ser un odio irracional en todos los sentidos, y desea verlos destruidos.

Hades sirvió bajo el mandato de Carl Knute, el padre de Deunan, en el S.W.A.T. de Los Ángeles, pero fue expulsado del cuerpo por Carl debido a sus métodos extremos. Él quedó resentido con Carl, y está furioso porque todos los bioroides tienen el A.D.N. de Carl.

Kudoh
Kudoh es uno de los miembros principales de ES.W.A.T. Él participa en algunas de las sesiones de entrenamiento con Deunan y eventualmente obtiene su respeto. Cuando ella y Briareos se dirigen al antiguo laboratorio de la Dra. Gilliam Knute, Kudoh los acompaña. Después de haber sido traicionado por Leyton uno de sus camaradas de ES.W.A.T.,que simpatiza con O.R.A., Kudoh permanece apartado, cubriendo con su arma a Deunan y Briareos para que puedan escapar.

Poco después de esto, Kudoh es abatido por los soldados de O.R.A. y cae muerto en el pasillo. Deunan expresa gran angustia por su muerte, pero Briareos se la lleva renuente con O.R.A. siguiéndolos de cerca.

Dra. Gilliam
La Dra. Gilliam fue la científico que creó los Bioroids, así como el virus «D-tank», el cual es capaz de convertir a un humano normal en estéril. Fue durante la creación de la primera generación que ella se dio cuenta de que el Consejo de Ancianos planeaba usar los Bioroids para reemplazar completamente la humanidad, al ser los humanos estériles por causa del virus «D-tank». Por tanto, se aseguró de que los Bioroids no pudieran reproducirse aunque mantuvo y codificó la fórmula para activar sus sistemas reproductivos – nombre código «Appleseed» – en un pendiente el cual, después de que su asistenta Athena evacuó, otorgó a su hija Deunan, con la promesa de que se lo daría a Athena si ella se lo pidiese. Dra. Knute fue luego capturada por los militares y accidentalmente asesinada por un soldado frente a Deunan.

Música
La banda sonora de la película contiene temas de música electrónica, techno y trance, con la participación de artistas como Paul Oakenfold, Basement Jaxx, Boom Boom Satellites, Akufen, Carl Craig, T. Raumschmiere y Ryuichi Sakamoto en su composición.

Secuelas
El director Shinji Aramaki también dirigió la secuela de la película en 2004, titulada Appleseed EX Machina, la cual fue lanzada en otoño del 2007 en Japón. La película presentó de nuevo animaciones generadas por ordenador y John Woo estuvo involucrado en su producción. En 2014 el director Shinji Aramaki dirigió, la que hasta ahora, es la última referencia a este serie y más apocalíptica, Appleseed Alpha, largometraje, también en 3D y que roza la imagen hiperealista.

Del Jazz Rock al Reggaetón…un mundo

Del Jazz Rock al Reggaetón…un mundo
Por: Darío Valle Risoto

Hace un tiempo pasé por la verdulería a comprar vegetales que bien siempre le hacen falta a mi dieta pero resulta que en el local estaban escuchando reggaetón a un volumen considerable por lo que tras aguantarme lo más posible le comuniqué que esa música es realmente espantosa y el tipo de buena manera me dijo que la próxima vez iba a poner algo mejor. Desde luego que no volveré jamás a comprar en ese lugar porque al pasar por la puerta siguen escuchando esa bosta de música.

Esto viene a que últimamente y tras casi cuarenta años de ausencia de mis oídos he vuelto a escuchar Jazz Rock, me refiero a aquellos intérpretes de nombres tan pintorescos como: Al Dimeola o Chick Corea junto a la banda Return to Forever, etc. Confieso que no es mi música preferida pero me resulta ideal cuando leo o simplemente me tiro en el sofá a ver pasar la vida. Allá por el añó 1982 cuando conocí a Juan Torradefló el escuchaba a estos monstruos de la música y tenía su propia banda de jazz rock llamada Indra. Banda que no vi nunca en vivo pero si asistí a sus ensayos en la casa de Juan, desde luego que prefería cuando tocaban temas de Pappos Blues, Riff, Los Rolling Stones o de The Beatles en aquel sombrío apartamento de Capurro.

Aquí me quiero detener en la necesidad que tenemos algunos de disfrutar de la música no solo escuchando una canción porque si nomás, sino para sentir la melodía, pensar en la forma de composición en aquellos diálogos entre diferentes instrumentos, en los riffs, los compases, etc. Y todo esto es absolutamente destruido, humillado y denostado por la simpleza simiesca de estos ritmos monótonos, infantiles y bellacos de las nuevas ondas desde el reggaetón a todo lo que hoy día nos invade en sitios públicos, publicidad, etc.

El cuerpo no solo se alimenta de comida sino también de sensaciones y en lo particular la música forma el centro de mi vida, sin música estoy muerto y si esta es aquella que detesto es peor aún que la muerte misma.

No por ello pretendo que todos estemos escuchando a los grandes creadores de la música pero sí que al menos respetemos que hay infinidad de colores en la paleta de lo que nos rodea, desde el más simple rock and roll al mencionado jazz rock, la música sinfónica, la música celta, el tango, el jazz, el mencionado: jazz rock, hasta toda una gama de música electrónica, house, etc. Y cuando conozco cada vez más gente que solo escucha este nuevo tipo de música simple, discreta, ofensiva, apabullantemente insufrible, pienso que realmente no tienen mucho dentro de sus cabezas.

Confieso que tampoco soy un erudito y hay bandas como Génesis o Yes que respeto mucho pero prefiero a Motorhead o a Slayer, de todas formas no soy menos metalero por admirar a Enya, a Jorge Cafrune o a Alberto Zitarrosa, todo lo contrario, porque en la búsqueda incesante de escuchar cosas diferentes he crecido como ser humano y cada día disfruto del don más grande que los hombres en su arte le dieron al mundo: La música.

Moon Torrance: Cancha mojada

Neo Vampiros 106: Mercado Modelo

Neo Vampiros 106
El mercado Modelo
Por: Darío Valle Risoto

En una tierra extraña a miles de kilómetros de su propio ataúd, tiene una misión que de antemano sabe que no piensa cumplir y sin embargo continúa acechando a su presunta presa. Escucha J-pop por sus auriculares, el aparato reproductor entonces se queda mudo, estupefacto, sin batería o ganas de darle ese entretenimiento.

Mitzuko salió de su refugio y respiró el aire frio de ese sótano, estaba en lo profundo de un enorme galpón donde el olor a frutas y verduras era casi asfixiante. Comprendió que como en todas las ciudades del mundo era un lugar de acopio para distribuir alimentos.
Anochecía, los serenos recorrían los largos e interminables enrejados que separaban los diferentes puestos, cerraban puertas, comprobaban que los candados estuvieran bien puestos, apagaban luces innecesarias y encendían aquellas que daban al sendero principal y las entradas más grandes de la enorme construcción.

Se había metido en un subsuelo, había escapado del sol debajo de un enorme camión que la dejó en el corazón del aparatoso Mercado Modelo de Montevideo, allí en el enorme sótano con calles y sendas alejadas del destructivo astro rey. Durante su sueño diurno como todo ser viviente sintió diferentes sonidos, olores, presencias, pero nada de qué preocuparse.
Pero ahora tenía hambre.

Cuando afuera amanecía con sus fuerzas mermadas había encontrado un cubículo donde diferentes llaves e interruptores evidenciaban que era una centralita eléctrica, se metió entonces dentro, pequeña y suficientemente elástica pudo dormirse contra el piso de metal mientras por la separación de la puerta vio antes de dormirse la sombra de algunos hombres que cargaban y descargaban camiones a una distancia segura.
Cuando salió apenas si había algo de luz en la boca de lobo de sótano, vio la silueta de uno de los serenos que se aproximaba acompañado de dos perros ovejeros mientras comprobaba cerraduras de diferentes entradas a los propios subsuelos de los puestos que daban a la calle o al interior de la vasta construcción.

Estaban los perros y el hombre a unos cuarenta metros a su derecha, ella los veía claramente y tenía demasiada hambre como para pensar en algo más que hundir sus dientes en la garganta del cuidador pero algo la detuvo.
__ ¿Qué te pasa en la pata Camilo? ¿Andas rengueando mi viejo?, ¿No serán mañas?
El perro se deja acariciar y el hombre de pronto se dio cuenta de que no estaba solo y al darse vuelta solo vio una sombra que corrió por el techo abovedado del interminable sótano del mercado, los perros comenzaron a gemir lastimeramente y al hombre se le erizaron los cabellos.

Mitzuko salió al aire fresco de la noche, estaba a miles de kilómetros de su país y todo a su alrededor era como otro planeta: la gente, los edificios, el aire. Caminando por avenidas casi desiertas se cruzó con escasas personas que apenas no se dieron cuenta de que era una chica oriental porque iba vestida con vestimentas que le cubrirán casi por completo. Aún así llevaba la espada cruzada en la espalda, sobresalía pero era disimulado por la amplia capucha de su abrigo.
Un manojo de nuevos sonidos la sobresaltaron, al dar vuelta una esquina encontró que había casas viejas y en una puerta abierta al final de un corredor las luces rojas eran extrañas y elocuentes. Hombres de aspecto siniestro bailaban en un patio con mujeres excedidas de peso. Sus colmillos blanquearon y el hambre se hizo insoportable, se quedó cerca de la puerta cubierta por un enorme árbol que había levantado con sus raíces parte de las baldosas de la vereda.

Uno de ellos salió trastabillando oliendo a mugre y alcohol pero su sed ya no podía hacer distinciones y le clavó los colmillos en el cuello sosteniéndolo mientras con cada convulsión se le iba la vida. Luego lo dejó sentado contra el árbol, frio, gris y sin una gota de sangre.

Caminó de nuevo en la noche, detrás al mirar a su espalda vio la imponente figura del mercado modelo de Montevideo, era apenas la mitad de la noche y las altas columnas de luces anaranjadas iluminaban la avenida centenario mientras el mundo dormía y los habitantes de la noche esperaban que el sol acabara con su reinado.

Tenía que encontrar a Lorena Luna, para matarla, matarla por segunda vez, la segunda muerte de los vampiros o la de los humanos, la primera muerte de los inmortales, el último vestigio de aquello que por que se mueve y tiene pensamientos y conciencia se cree que vive. Mitzuko entró a un bar y pidió sake, el mozo no sabía lo que era y le trajo Vodka.
Bebió lentamente, vio reflejado su rostro en la botella y comprendió que en sus ojos se reflejaba la luz de muerte que llevaba con ella, su manga derecha estaba sucia de sangre y la limpió con su propia lengua.

No estaba mal el vodka, había cierta ironía en tener que matar a otra joven como ella. Lorena tenía diecisiete años cuando fue transformada, Mitzuko veinte, de todas maneras la chica podía ser mucho más vieja dado el tiempo en que llegó a su nueva vida. Recordó un nombre: “Henrich”, allí estaba la calve de porque sabía que no iba a cumplir su misión. Henrich era una leyenda viviente, supuestamente estaba en Europa y casi todos los clanes o le temían o lo evitaban y por algo debía de ser.

No le habían dado ningún dato de su paradero, solo que vivía en Montevideo que tampoco era una ciudad demasiado grande. Ella sabía bien que si no la encontraba pronto el destino habría de enfrentarlas. Como dos lobas que habitan el mismo bosque más tarde o más temprano las iría a unir el olor de la sangre, a ello le llaman destino: a la sed de sangre insaciable y a la búsqueda de una respuesta que se esconde en la noche más fría y negra.

En ese preciso instante Lorena se encontraba observando a un grupo de personas caminando por ocho de octubre y bebiendo cerveza, eran jóvenes que intentaban divertirse pese al frio reinante. Otros se acercaban caminando en sentido contrario y no pertenecían a la misma clase social por evidentes apariencias. Estos eran morochos, llevaban ropa estilo hip hop y también querían encontrar algo que hacer. Hasta que llegó la patrulla.
Los chicos blancos siguieron su camino pero la policía detuvo a los tres que caminaban en sentido contrario.
__ Siempre es igual. __Dijo Lorena en voz alta desde la vereda del frente.
Juicio y castigo.

La Historia del gran Jack Kirby

La Historia del gran Jack Kirby
Fuente: Maldito Cómics

Jacob Kurtzberg (28 de agosto de 1917 – 6 de febrero de 1994), mejor conocido por el seudónimo de Jack Kirby, fue un dibujante de cómics, escritor y editor estadounidense, ampliamente considerado como uno de los principales innovadores del medio y uno de los sus creadores más prolíficos e influyentes. Creció en la ciudad de Nueva York y aprendió a dibujar caricaturas trazando personajes de tiras cómicas y caricaturas editoriales. Entró en la naciente industria de los cómics en la década de 1930, dibujando varios personajes de cómics con diferentes seudónimos, incluido Jack Curtiss, antes de decidirse finalmente por Jack Kirby. En 1940, él y el escritor y editor Joe Simon crearon al Capitán América para Timely Comics, predecesor de Marvel Comics. Durante la década de 1940, Kirby se asoció regularmente con Simon, creando numerosos personajes para esa compañía y para National Comics Publications, que luego se convertiría en DC Comics.

Vida temprana (1917-1935):

Jack Kirby nació como Jacob Kurtzberg el 28 de agosto de 1917, en 147 Essex Street en el Lower East Side de Manhattan en la ciudad de Nueva York, donde se crió. Sus padres, Rose (Bernstein) y Benjamin Kurtzberg, eran inmigrantes judíos austríacos, y su padre se ganaba la vida como trabajador de una fábrica de ropa. En su juventud, Kirby deseaba escapar de su vecindario. Le gustaba dibujar y buscaba lugares donde pudiera aprender más sobre el arte. Esencialmente autodidacta, Kirby citó entre sus influencias a los artistas de historietas Milton Caniff, Hal Foster y Alex Raymond, así como a dibujantes editoriales como C.H. Sykes, «Ding» Darling y Rollin Kirby. Fue rechazado por la Alianza Educativa porque dibujaba «demasiado rápido con carbón», según Kirby. Más tarde encontró una salida para sus habilidades dibujando caricaturas para el periódico de Boys Brotherhood Republic.

Carrera profesional:
Kirby se unió al Sindicato de Periódicos de Lincoln en 1936, trabajando allí en tiras cómicas de periódicos (bajo el seudónimo de Jack Curtiss). Permaneció hasta finales de 1939, cuando comenzó a trabajar para la compañía de animación teatral Fleischer Studios como intermediario (un artista que completa la acción entre los fotogramas de los grandes movimientos) en los dibujos animados de Popeye al mismo tiempo en 1935. Dejó el estudio antes de la Huelga de Fleischer en 1937. «Pasé de Lincoln a Fleischer», recordó. «De Fleischer tuve que salir a toda prisa porque no podía aceptar ese tipo de cosas», describiéndola como «una fábrica en cierto sentido, como la fábrica de mi padre.

Por esa época, la industria del cómic estadounidense estaba en auge. Kirby comenzó a escribir y dibujar para Eisner & Iger, una de las pocas empresas que crean cómics a pedido para los editores. A través de esa compañía, Kirby hizo lo que recuerda como su primer trabajo en un cómic, para la revista Wild Boy. Esto incluyó tiras como la aventura de ciencia ficción «El diario del Dr. Hayward» (bajo el seudónimo de Curt Davis), el largometraje occidental contra el crimen «Wilton of the West» (como Fred Sande), la aventura de espadachín «El Conde de Montecristo. «(nuevamente como Jack Curtiss), y el humor presenta a» Abdul Jones «(como Ted Gray) y» Socko the Seadog «(como Teddy), todos de forma diversa para Jumbo Comics y otros clientes de Eisner-Iger. Primero usó el apellido Kirby como el seudónimo de Lance Kirby en dos historias occidentales de «Lone Rider» en Famous Funnies # 63–64 (octubre-noviembre de 1939) de Eastern Color Printing. Finalmente se decidió por el seudónimo Jack Kirby porque le recordaba al actor James Cagney. Sin embargo, se ofendió con aquellos que sugirieron que cambiara su nombre para ocultar su herencia judía.

Asociación con Joe Simon:
Kirby pasó a ser editor de cómics y sindicato de periódicos Fox Feature Syndicate, ganando un salario entonces razonable de $15 a la semana. Comenzó a explorar la narrativa de superhéroes con la tira cómica The Blue Beetle, publicada de enero a marzo de 1940, protagonizada por un personaje creado por el seudónimo Charles Nicholas, nombre de la casa que Kirby conservó para la tira de tres meses. Durante este tiempo, Kirby conoció y comenzó a colaborar con el dibujante y editor de Fox, Joe Simon. Simon recordó en 1988: «Me encantó el trabajo de Jack y la primera vez que lo vi no podía creer lo que estaba viendo. Me preguntó si podíamos trabajar juntos como autónomos. Me encantó y lo llevé a mi pequeña oficina. . Trabajamos desde el segundo número de Blue Bolt hasta … unos 25 años «.

Después de dejar Fox y colaborar en el primer número de Captain Marvel Adventures de Fawcett Comics ([marzo] 1941), el primer título en solitario del superhéroe presentado anteriormente, y para el que se le dijo a Kirby que imitara al creador C.C. Beck con su estilo de dibujo, el dúo fue contratado en Timely Comics (que más tarde se convertiría en Marvel Comics). Allí, Simon y Kirby crearon al superhéroe patriótico Capitán América a finales de 1940. Simon, quien se convirtió en editor de la compañía, con Kirby como director de arte, dijo que negoció con Goodman para darle al dúo el 25 por ciento de las ganancias. El primer número de Captain America Comics, lanzado a principios de 1941, se agotó en días, y la tirada del segundo número se fijó en más de un millón de copias. El éxito del título estableció al equipo como una fuerza creativa notable en la industria. Después de que se publicó el primer número, Simon le pidió a Kirby que se uniera a Timely como director de arte de la compañía.

Con el éxito del personaje del Capitán América, Simon dijo que sentía que Goodman no le estaba pagando a la pareja el porcentaje prometido de ganancias, por lo que buscó trabajo para los dos en National Comics Publications (más tarde rebautizado como DC Comics). Kirby y Simon negociaron un trato que les pagaría un total de $ 500 por semana, en contraposición a los $75 y $85 que ganaban respectivamente en Timely. La pareja temía que Goodman no les pagara si descubría que se mudarían a National, pero muchas personas conocían su plan, incluido el asistente editorial de Timely, Stan Lee. Cuando Goodman finalmente lo descubrió, le dijo a Simon y Kirby que se fueran después de terminar el trabajo en Captain America Comics # 10.

Kirby y Simon pasaron sus primeras semanas en National tratando de idear nuevos personajes mientras la compañía buscaba la mejor manera de utilizar a la pareja. Después de algunas asignaciones fallidas asignadas por el editor, Jack Liebowitz de National les dijo que «simplemente hagan lo que quieran». Luego, la pareja renovó a Sandman en Adventure Comics y creó el superhéroe Manhunter. En julio de 1942 comenzaron Boy Commandos. La serie en curso de «pandillas de niños» del mismo nombre, lanzada más tarde ese mismo año, fue el primer proyecto del equipo creativo en graduarse con su propio título. Vendió más de un millón de copias al mes, convirtiéndose en el tercer título más vendido de National. Anotaron un éxito con el equipo de pandillas de niños de la casa, la Newsboy Legion, que aparece en Star-Spangled Comics. En 2010, el escritor y ejecutivo de DC Comics Paul Levitz observó que «Al igual que Jerry Siegel y Joe Shuster, el equipo creativo de Joe Simon y Jack Kirby fue una marca de calidad y un historial probado».

Segunda Guerra Mundial (1943-1945):
Con la Segunda Guerra Mundial en marcha, Liebowitz esperaba que Simon y Kirby fueran reclutados, por lo que pidió a los artistas que crearan un inventario de material para ser publicado en su ausencia. La pareja contrató escritores, entintadores, rotulistas y coloristas para crear material para un año. Kirby fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos el 7 de junio de 1943. Después del entrenamiento básico en Camp Stewart, cerca de Savannah, Georgia, fue asignado a la Compañía F del 11º Regimiento de Infantería. Aterrizó en la playa de Omaha en Normandía el 23 de agosto de 1944, dos meses y medio después del Día D, aunque las reminiscencias de Kirby situarían su llegada solo 10 días después. Kirby recordó que un teniente, al enterarse de que el artista de cómics Kirby estaba bajo su mando, lo convirtió en un explorador que avanzaría a las ciudades y dibujaría mapas e imágenes de reconocimiento, un deber extremadamente peligroso.

Posguerra (1946-1955):
Después de la guerra, Simon organizó trabajos para él y Kirby en Harvey Comics, donde, a principios de la década de 1950, el dúo creó títulos como la aventura de pandillas de niños Boy Explorers Comics, el rancho de niños Western Boys ‘Ranch, el cómic de superhéroes Stuntman, y en boga con la moda de las películas en 3-D, el Capitán 3-D. Simon y Kirby también trabajaron por cuenta propia para Hillman Periodicals (el cómic de ficción criminal Real Clue Crime) y para Crestwood Publications (Justice Traps the Guilty).

El equipo encontró su mayor éxito en la posguerra creando cómics románticos. Simon, inspirado por la revista de confesiones románticas True Story de Macfadden Publications, trasplantó la idea a los cómics y con Kirby creó una maqueta del primer número de Young Romance. Mostrándolo al gerente general de Crestwood, Maurice Rosenfeld, Simon pidió el 50% de las ganancias del cómic. Los editores de Crestwood Teddy Epstein y Mike Bleier estuvieron de acuerdo, estipulando que los creadores no aceptarían dinero por adelantado. Young Romance # 1 (fecha de portada, octubre de 1947) «se convirtió en el mayor éxito de Jack y Joe en años». El título pionero vendió un asombroso 92% de su tirada, lo que inspiró a Crestwood a aumentar la tirada en el tercer número para triplicar el número inicial de copias. Publicado inicialmente cada dos meses, Young Romance se convirtió rápidamente en un título mensual y produjo el spin-off Young Love (juntos, los dos títulos vendieron dos millones de copias por mes, según Simon, luego se unieron Young Brides y In Love, este último » con historias de romance de larga duración «. Young Romance generó docenas de imitadores de editoriales como Timely, Fawcett, Quality y Fox Feature Syndicate. A pesar del exceso, los títulos románticos de Simon y Kirby continuaron vendiendo millones de copias al mes.
Molestos porque Atlas Comics, había relanzado al Capitán América en una nueva serie en 1954, Kirby y Simon crearon Fighting American. Simon recordó: «Pensamos en mostrarles cómo hacer al Capitán América». Si bien el cómic inicialmente retrataba al protagonista como un héroe dramático anticomunista, Simon y Kirby convirtieron la serie en una sátira de superhéroes con el segundo número.

Después de Simon (1956-1957):
A instancias de un vendedor de Crestwood, Kirby y Simon lanzaron su propia compañía de cómics, Mainline Publications, asegurando un acuerdo de distribución con Leader News a finales de 1953 o principios de 1954, subarrendando espacio de su amigo Al Harvey. En 1860 Broadway. Mainline, que existió desde 1954 hasta 1955, publicó cuatro títulos: Western Bullseye: Western Scout; el cómic de guerra Foxhole porque EC Comics y Atlas Comics estaban teniendo éxito con los cómics de guerra, pero promocionando los suyos como escritos y dibujados por veteranos reales; In Love porque su anterior cómic romántico Young Love todavía estaba siendo ampliamente imitado; y el cómic policial Police Trap, que afirmaba estar basado en relatos auténticos de agentes del orden. Después de que el dúo reorganizó y volvió a publicar el arte de una vieja historia de Crestwood en In Love, Crestwood se negó a pagarle al equipo, que buscó una auditoría de las finanzas de Crestwood. Tras la revisión, los abogados de la pareja declararon que la empresa les debía 130.000 dólares por el trabajo realizado durante los últimos siete años. Crestwood les pagó $ 10,000 además de sus recientes pagos retrasados. La asociación entre Kirby y Simon se había vuelto tensa. Simon dejó la industria para dedicarse a la publicidad, mientras que Kirby continuó trabajando como autónomo. «Quería hacer otras cosas y yo me quedé con los cómics», recordó Kirby en 1971. «Estaba bien. No había ninguna razón para continuar la asociación y nos separamos de manera amistosa.

En este punto, a mediados de la década de 1950, Kirby regresó temporalmente a Atlas Comics, el predecesor directo de Marvel Comics. El entintador Frank Giacoia se había puesto en contacto con el editor en jefe Stan Lee para pedirle trabajo y le sugirió que podría «traer a Kirby para dibujar algunas cosas». Mientras trabajaba como freelance para National Comics Publications, el futuro DC Comics, Kirby dibujó 20 historias para Atlas. de 1956 a 1957: comenzando con el «Campo de minas» de cinco páginas en Battleground # 14 (noviembre de 1956), Kirby dibujó a lápiz y en algunos casos entintó (con su esposa, Roz) y escribió historias del héroe occidental Black Rider. Pero en 1957, los problemas de distribución provocaron la «implosión del Atlas» que resultó en la eliminación de varias series y la ausencia de material nuevo durante muchos meses. Sería el año siguiente antes de que Kirby regresara a la naciente Marvel.

Para DC en esta época, Kirby co-creó con los escritores Dick y Dave Wood el cuarteto de aventureros Challengers of the Unknown en Showcase # 6 (febrero de 1957), mientras contribuía a antologías como House of Mystery. Durante 30 meses trabajando como autónomo para DC, Kirby dibujó un poco más de 600 páginas, que incluían 11 historias de Green Arrow de seis páginas en World’s Finest Comics y Adventure Comics que, en una rareza, Kirby se entintaba él mismo. Kirby reformuló al arquero como un héroe de ciencia ficción, alejándolo de sus raíces en la fórmula de Batman.

Comenzó a dibujar Sky Masters of the Space Force, una tira cómica de un periódico, escrita por los hermanos Wood e inicialmente entintada por Wally Wood, que no era pariente de él. Kirby dejó National Comics Publications debido en gran parte a una disputa contractual con Jack Schiff. Algunos editores de DC lo habían criticado por detalles artísticos, como no dibujar «los cordones de los zapatos en las botas de un caballero» y mostrar a un nativo americano «montando su caballo por el lado equivocado».

Marvel Comics la Edad de Plata (1958-1970):
Varios meses más tarde, después de su separación con DC, Kirby comenzó a trabajar independientemente para Atlas a pesar de albergar sentimientos negativos sobre Stan Lee (el primo de la esposa del editor de Timely, Martin Goodman), quien Kirby creía que le había revelado a Timely en la década de 1940 que él y Simon estaban secretamente trabajando en un proyecto para National. Debido al bajo precio de las páginas, Kirby pasaba de 12 a 14 horas diarias en su mesa de dibujo en casa, produciendo de cuatro a cinco páginas al día. Su primer trabajo publicado en Atlas fue la portada y la historia de siete páginas «Descubrí el secreto de los platillos voladores» en Strange Worlds # 1 (diciembre de 1958). Inicialmente con Christopher Rule como su entintador habitual, y más tarde con Dick Ayers, Kirby dibujó en todos los géneros, desde cómics románticos hasta cómics de guerra, cómics sobre crímenes y cómics occidentales, pero dejó su huella principalmente con una serie de historias de ciencia ficción y fantasía sobrenatural con monstruos gigantes estilo autocine con nombres como Groot, la Cosa del Planeta X; Grottu, Rey de los Insectos; y Fin Fang Foom para las numerosas series de antología de la compañía, como Amazing Adventures, Strange Tales, Tales to Astonish, Tales of Suspense y World of Fantasy. Sus extraños diseños de poderosas criaturas sobrenaturales resultaron un éxito entre los lectores. Además, trabajó como autónomo para Archie Comics en esta época, reuniéndose brevemente con Joe Simon para ayudar a desarrollar la serie The Fly y The Double Life of Private Strong. Además, Kirby dibujó algunos números de Classics Illustrated.
Fue en Marvel, en colaboración con el escritor y editor en jefe Lee, donde Kirby volvió a acertar en los cómics de superhéroes, comenzando con The Fantastic Four # 1 (noviembre de 1961). La serie se convirtió en un éxito que revolucionó la industria con su naturalismo comparativo y, eventualmente, un ámbito cósmico informado por la imaginación aparentemente ilimitada de Kirby, una que coincidía con la cultura juvenil de expansión de la conciencia de la década de 1960. Durante casi una década, Kirby proporcionó el estilo de la casa de Marvel, co-creando con Stan Lee muchos de los personajes de Marvel y diseñando sus motivos visuales. A petición de Lee, a menudo proporcionaba diseños de bocetos a artistas nuevos en Marvel, sobre los que dibujarían a lápiz para familiarizarse con el aspecto de Marvel. Como describió el artista Gil Kane:

Jack fue la figura más influyente en el cambio de rumbo de la suerte de Marvel desde el momento en que se reincorporó a la compañía … No era solo que Jack concibiera la mayoría de los personajes que se están haciendo, sino … el punto de vista y la filosofía de Jack del dibujo se convirtió en la filosofía rectora de toda la editorial y, más allá de la editorial, de todo el campo … [Marvel tomó] a Jack y lo utilizó como tarjeta de presentación. Conseguirían artistas … y les enseñaron el abecedario, que equivalía a aprender de Jack Kirby … Jack era como la Sagrada Escritura y simplemente tenían que seguirlo sin desviarse. Eso es lo que me dijeron … Fue así como enseñaron a todos a redirigir todas esas actitudes opuestas en un solo punto de vista.

Los aspectos más destacados de la colaboración de Lee y Kirby también incluyen a Hulk, Thor, Iron Man, los X-Men originales, Doctor Doom, Uatu the Watcher, Magneto, Ego the Living Planet, los Inhumanos y su ciudad oculta de Attilan, y Pantera Negra, el primer superhéroe negro de los cómics y su nación afrofuturista, Wakanda. Kirby inicialmente fue asignado a dibujar la primera historia de Spider-Man, pero cuando le mostró a Lee las primeras seis páginas, Lee recordó: «¡Odiaba la forma en que lo estaba haciendo! No es que lo hiciera mal, simplemente no era el dibujante adecuado para el personaje. Era demasiado heroico. Lee luego se dirigió a Steve Ditko para dibujar la historia que aparecería en Amazing Fantasy # 15, para la cual Kirby, no obstante, dibujó la portada. Lee y Kirby reunieron a varios de sus personajes recién creados en el título de Los Vengadores y traerían de vuelta personajes antiguos de la década de 1940 como el Sub-Mariner y el Capitán América. En años posteriores, Lee y Kirby disputarían quién merecía crédito por creaciones como Los Cuatro Fantásticos.

La historia frecuentemente citada como el mejor logro de Lee y Kirby es «La trilogía de Galactus» en Fantastic Four # 48-50 (marzo-mayo de 1966), que narra la llegada de Galactus, un gigante cósmico que quería devorar el planeta, y su heraldo, Silver Surfer. Fantastic Four # 48 fue elegida en el lugar #24 en la encuesta de los lectores de Marvel de las 100 grandes maravillas de todos los tiempos en 2001. El editor Robert Greenberger escribió en su introducción a la historia que «Cuando el cuarto año de los Cuatro Fantásticos llegó a su fin, Stan Lee y Jack Kirby parecían estar calentando motores. En retrospectiva, fue quizás el período más fértil de cualquier título mensual durante la Era Marvel «. El historiador de cómics Les Daniels señaló que los elementos místicos y metafísicos que aparecieron en la saga se adaptaban perfectamente a los gustos de los lectores jóvenes en la década de 1960 «, y Lee pronto descubrió que la historia era una de las favoritas en los campus universitarios. Kirby continuó expandiendo los límites del medio, ideando cubiertas e interiores de collage de fotos, desarrollando nuevas técnicas de dibujo como el método para representar campos de energía ahora conocido como «Kirby Krackle», y otros experimentos.
En 1968 y 1969, Joe Simon estuvo involucrado en un litigio con Marvel Comics sobre la propiedad del Capitán América, iniciado por Marvel después de que Simon registrara la renovación de los derechos de autor del Capitán América en su propio nombre. Según Simon, Kirby aceptó apoyar a la compañía en el litigio y, como parte de un trato que Kirby hizo con el editor Martin Goodman, le cedió a Marvel todos los derechos que pudiera haber tenido sobre el personaje.

Al mismo tiempo, Kirby estaba cada vez más insatisfecho con trabajar en Marvel, por razones que el biógrafo de Kirby, Mark Evanier, ha sugerido que incluyen el resentimiento por la prominencia de Lee en los medios, la falta de control creativo total, la ira por el incumplimiento de las promesas percibidas por el editor Martin Goodman y la frustración porque Marvel no le dio crédito específicamente por la trama de su historia y por las creaciones y co-creaciones de sus personajes. Comenzó a escribir y dibujar algunos personajes secundarios para Marvel, como «The Inhumans» en Amazing Adventures, así como historias de terror para el título de antología Chamber of Darkness, y recibió todo el crédito por hacerlo; pero en 1970, Kirby recibió un contrato que incluía términos tan desfavorables como la prohibición de represalias legales. Cuando Kirby se opuso, la dirección se negó a negociar ningún cambio de contrato. Kirby, aunque ganaba 35.000 dólares al año trabajando independientemente para la empresa (ajustado por inflación, el equivalente a casi 234.000 dólares en 2021), posteriormente dejó Marvel en 1970 para ir con su rival DC Comics, bajo la dirección editorial Carmine Infantino.

DC Comics y la saga del Cuarto Mundo (1971-1975):
Kirby pasó casi dos años negociando un trato para mudarse a DC Comics, donde a finales de 1970 firmó un contrato de tres años con una opción por dos años adicionales. Produjo una serie de títulos interconectados bajo el sobrenombre general de «El cuarto mundo», que incluía una trilogía de nuevos títulos: New Gods, Mister Miracle y The Forever People.
Las tres series que Kirby originó trataban sobre aspectos de la mitología que había mencionado anteriormente en Thor. Los Nuevos Dioses establecerían este nuevo mito, mientras que en The Forever People Kirby intentaría mitificar las vidas de los jóvenes que observaba a su alrededor. El tercer libro, Mister Miracle, fue más un mito personal. El personaje principal era un artista del escape, en el que Mark Evanier sugiere que Kirby canalizó sus sentimientos de restricción. La esposa de Mister Miracle se basó en el personaje de la esposa de Kirby, Roz, e incluso caricaturizó a Stan Lee en las páginas del libro como Funky Flashman.

El villano central de la serie Cuarto Mundo, Darkseid, y algunos de los conceptos del Cuarto Mundo, apareció en Jimmy Olsen antes del lanzamiento de los otros libros del Cuarto Mundo, dando a los nuevos títulos una mayor exposición a compradores potenciales. Las figuras de Superman y los rostros de Jimmy Olsen dibujados por Kirby fueron redibujados por Al Plastino, y más tarde por Murphy Anderson. Les Daniels observó en 1995 que «la mezcla de jerga y mito de Kirby, ciencia ficción y la Biblia, hizo una bebida embriagadora, pues el alcance de su visión ha perdurado». En 2007, el escritor de cómics Grant Morrison comentó que los dramas se escenificaron a través de símbolo crudo y tormenta … La saga del Cuarto Mundo crepita con el voltaje de la imaginación ilimitada de Jack Kirby que se suelta sobre el papel «
Además de sus esfuerzos artísticos, Kirby propuso una variedad de nuevos formatos para los cómics, como la planificación de recopilar sus historias publicadas del Cuarto Mundo en libros de encuadernación cuadrada, un formato que más tarde se llamaría el libro de bolsillo comercial, que eventualmente se convertiría en una práctica estándar en La industria. Sin embargo, Infantino y compañía no se mostraron receptivos.

Más tarde, Kirby produjo otras series de DC como OMAC, Kamandi, The Demon, y Kobra, trabajó en personajes como «The Losers» en Our Fighting Forces. Junto con su ex socio Joe Simon por última vez, trabajó en una nueva encarnación de Sandman. Kirby produjo tres números de la serie de antología 1st Issue Special y creó Atlas the Great, un nuevo Manhunter, y Dingbats of Danger Street.
El asistente de producción de Kirby en ese momento, Mark Evanier, contó que las políticas de DC de la época no estaban en sintonía con los impulsos creativos de Kirby, y que a menudo se veía obligado a trabajar en personajes y proyectos que no le gustaban. Mientras tanto, algunos artistas de DC no querían que Kirby estuviera allí, ya que amenazaba sus posiciones en la empresa; también tenían mala sangre porque había sido de la competencia (Marvel).

Regreso a Marvel (1976-1978):
En la convención de cómics Marvelcon ’75, en 1975, Stan Lee utilizó un panel de discusión de los Cuatro Fantásticos para anunciar que Kirby regresaba a Marvel después de haberse ido en 1970 para trabajar para DC Comics. Lee escribió en su columna mensual, «Stan Lee’s Soapbox», «Mencioné que tenía un anuncio especial que hacer. Cuando comencé a contar sobre el regreso de Jack, a una audiencia totalmente incrédula, la cabeza de todos comenzó a girar mientras el propio Kirby tocaba el vals. ¡Por el pasillo para unirse a nosotros en la tribuna! Puedes imaginar cómo se sintió hacerse el payaso con el co-creador de la mayoría de los mejores cómics de Marvel una vez más.

De vuelta en Marvel, Kirby escribió y dibujó la serie mensual del Capitán América, creó la serie The Eternals, que presentaba una raza de gigantes alienígenas inescrutables, los Celestiales, cuya intervención tras bambalinas en la humanidad primordial eventualmente se convertiría en un elemento central de la continuidad del Universo Marvel. Produjo una adaptación y expansión de la película 2001: A Space Odyssey. Escribió y dibujó Black Panther y dibujó numerosas portadas.
Otras creaciones de Kirby en Marvel en este período incluyen Machine Man y Devil Dinosaur. La colaboración final de Kirby en los cómics con Stan Lee, The Silver Surfer: The Ultimate Cosmic Experience, se publicó en 1978 y se considera la primera novela gráfica de Marvel.

Cine y animación (1979-1980):
Aún insatisfecho con el trato que le dio Marvel, y con una oferta de empleo de Hanna-Barbera, Kirby dejó Marvel para trabajar en animación. En ese campo, hizo diseños para Turbo Teen, Thundarr the Barbarian y otras series animadas para televisión. Trabajó en la serie animada The New Fantastic Four, reuniéndolo con el guionista Stan Lee. Ilustró una adaptación de la película de Walt Disney The Black Hole en 1979-1980.
En 1979, Kirby dibujó un arte conceptual para el tratamiento del guión del productor de cine Barry Geller adaptando la novela de ciencia ficción de Roger Zelazny, Lord of Light, de la que Geller había comprado los derechos. En colaboración, Geller encargó a Kirby que dibujara diseños de escenarios que se utilizarían como representaciones arquitectónicas para un parque temático de Colorado que se llamaría Science Fiction Land; Geller anunció sus planes en una conferencia de prensa en noviembre a la que asistieron Kirby, la ex estrella del fútbol americano Rosey Grier, el escritor Ray Bradbury y otros. Si bien la película no llegó a buen término, los dibujos de Kirby se utilizaron para la «travesura canadiense» de la CIA, en la que algunos miembros de la embajada de Estados Unidos en Teherán, Irán, que habían evitado ser capturados en la crisis de rehenes de Irán, pudieron escapar del país. haciéndose pasar por miembros de un equipo de exploración de ubicaciones de películas.

Últimos años (1981-1994):
A principios de la década de 1980, Kirby y Pacific Comics, un nuevo sello editorial de cómics que no trabaja en quiosco de periódicos, hizo uno de los primeros acuerdos de la industria para series propiedad de creadores, lo que resultó en Captain Victory and the Galactic Rangers, y la miniserie de seis números Silver Star (más tarde recopilada en formato de tapa dura en 2007). Esto, junto con acciones similares de otros editores de cómics independientes como Eclipse Comics (donde Kirby co-creó el personaje Destroyer Duck en una serie de cómics benéfica publicada para ayudar a Steve Gerber a luchar en un caso legal contra Marvel), ayudó a establecer una precedente para poner fin al monopolio del sistema de trabajo por contrato, en el que los creadores de cómics, incluso los autónomos, no tenían derechos sobre los personajes que creaban.

En 1983, Richard Kyle encargó a Kirby que creara una tira autobiográfica de 10 páginas, «Street Code», que se convirtió en una de las últimas obras publicadas en vida de Kirby. Fue publicado en 1990, en el segundo número del resurgimiento de Argosy por Kyle. Kirby continuó haciendo trabajos periódicos para DC Comics durante la década de 1980, incluido un breve resurgimiento de su saga «Cuarto Mundo» en la miniserie Super Powers de 1984 y 1985 y la novela gráfica de 1985 The Hunger Dogs. Los ejecutivos de DC Jenette Kahn y Paul Levitz hicieron que Kirby rediseñara los personajes del Cuarto Mundo para la línea de juguetes Super Powers como una forma de darle derecho a regalías por varias de sus creaciones de DC. En 1985, Kirby y Gil Kane ayudaron a crear el concepto y los diseños de la serie de televisión animada de Ruby-Spears The Centurions. DC publicó una serie de cómics basada en el programa y Kenner produjo una línea de juguetes.

En el ocaso de su vida, Kirby pasó mucho tiempo discutiendo con los ejecutivos de Marvel sobre los derechos de propiedad de sus páginas originales. En Marvel, muchas de estas páginas propiedad de la compañía (debido a reclamos de derechos de autor obsoletos y legalmente dudosos) se regalaron como obsequios promocionales a los clientes de Marvel o simplemente se robaron de los almacenes de la compañía. Después de la aprobación de la Ley de derechos de autor de 1976, que amplió enormemente las capacidades de derechos de autor de los artistas, los editores de cómics comenzaron a devolver el arte original a los creadores, pero en el caso de Marvel solo si firmaban un comunicado que reafirmaba la propiedad de los derechos de autor de Marvel. En 1985, Marvel emitió un comunicado que exigía a Kirby afirmar que su arte fue creado por encargo, lo que le permitió a Marvel retener los derechos de autor a perpetuidad, además de exigir que Kirby renunciara a todas las regalías futuras. Marvel le ofreció 88 páginas de su arte (menos del 1% de su producción total) si firmaba el acuerdo, pero se reservaba el derecho de reclamar el arte si Kirby violaba el trato. Después de que Kirby criticara públicamente a Marvel, llamando a la compañía matones y alegando que estaban sosteniendo arbitrariamente sus creaciones, Marvel finalmente devolvió (después de dos años de deliberaciones) aproximadamente entre 1900 – 2100 páginas de las aproximadamente 10.000 a 13.000 que Kirby dibujó para la empresa.

Para Topps Comics, fundada en 1993, Kirby retuvo la propiedad de los personajes utilizados en múltiples series de lo que la compañía denominó «El Kirbyverse». Estos títulos se derivaron principalmente de diseños y conceptos que Kirby había mantenido en sus archivos, algunos inicialmente destinados a Pacific Comics ya desaparecidos, y luego licenciados a Topps para lo que se convirtió en el mito de «La saga de la ciudad secreta de Jack Kirby». Phantom Force fue el último cómic en el que Kirby trabajó antes de su muerte. La historia fue coescrita por Kirby con Michael Thibodeaux y Richard French, basada en un lanzamiento de ocho páginas para un cómic de Bruce Lee sin usar en 1978. Los números 1 y 2 fueron publicados por Image Comics con varios artistas de Image entintando sobre los lápices de Kirby. El número 0 y los números 3-8 fueron publicados por Genesis West, y Kirby proporcionó lápices para los números 0 y 4. Thibodeaux proporcionó el arte para los números restantes de la serie después de la muerte de Kirby.

Estilo artístico y logros:
Brent Staples escribió en el New York Times:
Creó una nueva gramática de narración y un estilo cinematográfico de movimiento. Los personajes que alguna vez fueron de madera cayeron en cascada de un panel a otro, o incluso de una página a otra, amenazando con caer directamente del libro en el regazo del lector. La fuerza de los golpes lanzados fue visible y explosivamente evidente. Incluso en reposo, un personaje de Kirby palpita con tensión y energía de una manera que hace que las versiones cinematográficas de los mismos personajes parezcan estáticas en comparación.
Jack Kirby ha sido referido como el «superhéroe del estilo», su obra de arte descrita por John Carlin en Masters of American Comics como «deliberadamente primitivo y grandilocuente», y en otros lugares se ha comparado con cubista y futurista. Sus contribuciones a la forma del cómic, incluidos los muchos personajes que creó o co-creó y los muchos géneros en los que trabajó, le han llevado a ser referido como el dibujante de cómics definitivo. Dado el número de lugares en los que se puede encontrar la obra de arte de Kirby, los juguetes basados ​​en sus diseños y el éxito de las películas basadas en su trabajo, Charles Hatfield y Ben Saunders lo declaran «uno de los principales arquitectos de la imaginación estadounidense». Fue considerado un artista trabajador, y se ha calculado que dibujó al menos 20,318 páginas de arte publicado y 1,385 portadas más en su carrera. Publicó 1.158 páginas solo en 1962. Kirby definió los cómics en tres períodos. Su trabajo a principios de la década de 1940 con Joe Simon en la tira del Capitán América, y luego sus cómics de superhéroes de la década de 1960 con Stan Lee en Marvel Comics y por su cuenta en DC Comics. Kirby también creó historias en casi todos los géneros de cómics, desde el autobiográfico hasta la fantasía de ciencia ficción apocalíptica de Kamandi.

Enfoque narrativo de los cómics:
Como muchos de sus contemporáneos, Kirby estaba en deuda con Milton Caniff, Hal Foster y Alex Raymond, quienes definieron el arte narrativo en las historietas de aventuras. También se ha sugerido que Kirby también se basó en Burne Hogarth, cuyo trabajo de figuras dinámicas puede haber influido en la forma en que Kirby dibujó figuras; «Sus figuras feroces y grotescamente articuladas parecen descender directamente de las formas dinámicamente retorcidas de Hogarth». Su estilo se basó en estas influencias, todos los grandes artistas en el momento en que Kirby estaba aprendiendo su oficio, con Caniff, Foster y Raymond entre ellos impartiendo para la historieta secuencial de aventuras, un enfoque muy ilustrativo basado en la realización del escenario en un grado muy alto. Donde Kirby se apartó de estas influencias, y donde su estilo impactó en la formación del arte del cómic, fue en su alejamiento de un enfoque ilustrado a uno más dinámico. El estilo artístico de Kirby capturaba energía y movimiento dentro de la imagen, creando sinergia con el texto y ayudando a servir a la narrativa. Por el contrario, los sucesores del enfoque ilustrativo, como Gil Kane, encontraron que su trabajo finalmente llegó a un punto muerto. El arte ilustraría, pero al carecer de movimiento hizo que el lector contemplara el arte tanto como la palabra escrita. Artistas posteriores como Bryan Hitch y Alex Ross combinaron los enfoques de Kirby y Kane, utilizando fondos muy realistas en contraste con personajes dinámicos para crear lo que se conoció como un enfoque de pantalla ancha para los cómics.

El dinamismo y la energía de Kirby sirvieron para empujar al lector a través de la historia donde un enfoque ilustrativo y detallado haría que la mirada se demorara. Su reducción de la presentación de una escena dada a una que representa la apariencia de movimiento ha llevado a Kirby a ser descrito como cinematográfico en su estilo. Kirby, que había trabajado en Fleischer Studios antes de dedicarse a los cómics, tenía conocimientos básicos de técnicas de animación para producir movimiento. También se dio cuenta de que los cómics no estaban sujetos a las mismas limitaciones que las tiras de periódicos. Mientras que otros artistas de cómics recreaban los diseños que usaba ese formato, Kirby rápidamente utilizó el espacio de crear una página completa de cómic. Como describe Ron Goulart, «dividió las páginas de nuevas formas e introdujo paneles de presentación que se extendían a lo largo de dos páginas». El propio Kirby describió la creación de su estilo dinámico como una reacción tanto al cine como a la ganas de crear y competir: «Me encontré compitiendo con la cámara de cine. Tenía que competir con la cámara. Me sentía como John Henry … Arranqué a mis personajes de los paneles. Los hice saltar por toda la página. Traté de hacerlo cohesivo para que fuera más fácil de leer … Tenía que poner a mis personajes en posiciones extremas, y al hacerlo creé un estilo extremo que fuera reconocible por todos.

Estilo Kirby:
A principios de la década de 1940, Kirby a veces ignoraba los bordes de los paneles. Dibujaría un personaje en un panel, pero su hombro y brazo se extenderían fuera del borde, en la cuneta y, a veces, encima de un panel cercano. Se puede perforar un personaje de un panel, los pies en el panel original y el cuerpo en el siguiente. Los propios paneles se superpondrían y Kirby encontraría nuevas formas de organizar los paneles en una página de cómic. Sus figuras fueron representadas como ágiles y elegantes, aunque Kirby las ubicaría empujando desde la página hacia el lector. A finales de la década de 1940 y 1950, Kirby se alejó de los cómics de superhéroes y, trabajando con Joe Simon, probó suerte en varios géneros. Kirby y Simon crearon el género de los cómics románticos, y trabajando tanto en este como en los géneros de guerra, el oeste y el crimen, el estilo de Kirby cambió. Dejó atrás los diversos marcos y diseños de paneles. La naturaleza de estos géneros le permitió canalizar la energía en la pose y el bloqueo de los personajes, forzando el drama a las limitaciones del panel.

Cuando Kirby y Stan Lee se reunieron en Marvel Comics, su arte se desarrolló nuevamente. Sus personajes y representaciones se volvieron más abstractos, menos anatómicamente correctos. Colocaría figuras en tres planos de la profundidad de un panel para sugerir tres dimensiones. Sus antecedentes serían menos detallados donde no quería que se llamara la atención. Sus figuras se movían activamente a lo largo de diagonales, y utilizó el escorzo para hacer que un personaje pareciera retroceder más profundamente en el panel, de modo que pareciera moverse hacia el lector, fuera de la página. Durante la década de 1960, Kirby también desarrolló un talento para los collages, inicialmente utilizándolos dentro de las páginas de Los Cuatro Fantásticos. Presentó la Zona Negativa como un lugar dentro del Universo Marvel que solo se ilustraría a través de un collage. Sin embargo, la reproducción dentro de las historietas publicadas de los collages, sumada al bajo precio de página que le pagaban y el tiempo que tardaban en desarrollarse, hicieron que se descartara su uso. Kirby volvería más tarde al uso del collage en su trabajo del Cuarto Mundo en DC Comics. Aquí los usó con mayor frecuencia en las páginas de Superman’s Pal, Jimmy Olsen.
El estilo Kirby a fines de la década de 1960 fue tan apreciado por Stan Lee que lo instituyó como el estilo de la casa Marvel. Lee instruía a otros artistas para que dibujaran más como Jack, y también les asignaba libros para trabajar usando los desgloses de la historia de Kirby para que pudieran ajustarse más al estilo de Kirby.
Kirby Krackle, también conocido como Kirby Dots, es la aportación artística de Kirby de representar el efecto de la energía. Dentro del dibujo, se utiliza un campo de imágenes pseudo-fractales negras para representar el espacio negativo alrededor de tipos de energía no especificados. Kirby Krackles se usa típicamente en ilustraciones de explosiones, humo, explosiones de pistolas de rayos, energía «cósmica» y fenómenos del espacio exterior. La tecnología avanzada que Kirby extrajo, desde el estado afrofuturista de Wakanda a través de las Cajas Madre de los Nuevos Dioses hasta las naves espaciales y el diseño de los Celestiales, se reúne bajo el término colectivo «Kirby Tech». John Paul Leon lo ha descrito como «Es tecnología; es mecánico incluso si es extraterrestre, pero está dibujado de una manera tan orgánica que no lo cuestionas. Es solo una extensión de su mundo. No estoy seguro de quién más Podría decir que hizo eso «.

Método de trabajo:
A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Kirby no utilizó bocetos preliminares, trabajos en bruto ni diseños. En su lugar, comenzaría con la pizarra en blanco y dibujaría la historia en la página de arriba a abajo, de principio a fin. Muchos artistas, incluidos Carmine Infantino, Gil Kane y Jim Steranko, han destacado la naturaleza inusual de su método. Kirby rara vez borraba mientras trabajaba; el arte, y por lo tanto la historia, fluiría de él casi completamente formado. Los lápices de Kirby tenían fama de ser detallados, hasta el punto de que eran difíciles de entintar. Will Eisner recuerda incluso en los primeros años que los lápices de Kirby eran «ajustados». Trabajando para Eisner, Kirby inicialmente entintaba con un bolígrafo, sin tener la suficiente confianza en su habilidad para usar los pinceles japoneses que preferían Lou Fine y Eisner. Para cuando Kirby trabajó con Joe Simon, Kirby se había enseñado por sí mismo a usar un pincel y, en ocasiones, entintaba sobre el trabajo entintado donde sentía que era necesario.
Debido a la cantidad de trabajo que Kirby produjo, era raro que él entintara su propio trabajo. En cambio, las páginas a lápiz se enviaron a un entintador. Por lo tanto, diferentes entintadores impactarían en la versión publicada del arte de Kirby, y el propio Kirby señaló que los entintadores individuales se adaptaban a diferentes géneros. A finales de la década de 1960, Kirby prefería el lápiz, sintiendo que «entintar en sí mismo es un tipo de arte separado». Stan Lee recuerda que Kirby no estaba realmente muy interesado en quién lo entintaba: «Me importaba mucho más quién entintaba a Kirby que a Kirby … A Kirby nunca pareció importarle quién lo entintara … Creo que Kirby sintió que su estilo era tan fuerte que simplemente no importaba quién lo entintara «. Chic Stone, un entintador de Kirby durante la década de 1960 en Marvel, recordó que «los dos mejores entintadores para Jack fueron Mike Royer y Steve Rude. Ambos realmente mantuvieron la integridad de los lápices de Jack».

El tamaño del tablero de arte marcó la diferencia en el estilo de Kirby. A fines de la década de 1960, la industria redujo el tamaño de las tablas de arte que usaban los artistas. Antes de 1967, las tablas de arte medían alrededor de 14 x 21 pulgadas, y se reproducían a 7 x 10 pulgadas. Después de 1967, el tamaño del tablero se redujo a 15 x 10. Esto afectó la forma en que Kirby dibujó. Gil Kane señaló que «la cantidad de espacio alrededor de las figuras era cada vez menor … Las figuras se volvían cada vez más grandes, y no podían ser contenidas en un solo panel o incluso en una sola página». El profesor Craig Fischer afirma que Kirby al principio «odiaba» el nuevo tamaño. Fischer sostiene que a Kirby le tomó alrededor de 18 meses negociar una forma de trabajar en el tamaño más pequeño. Inicialmente se retiró a un estilo de primer plano menos detallado, como se ve en Fantastic Four # 68. Al adaptarse al nuevo tamaño, Kirby comenzó a utilizar la profundidad para dar vida a las páginas, aumentando su uso del escorzo. Cuando Kirby se mudó a DC, comenzó a incorporar más el uso de pliegos de dos páginas en su arte. Estos pliegos ayudaron a definir el estado de ánimo de la historia y llegaron a definir el trabajo de Kirby.

La propiedad de Kirby:
Lisa Kirby anunció a principios de 2006 que ella y el coguionista Steve Robertson, con el artista Mike Thibodeaux, planeaban publicar a través del sello Marvel Comics Icon una serie limitada de seis números, Jack Kirby’s Galactic Bounty Hunters, con personajes y conceptos creados por su padre.
Marvel publicó póstumamente una historia «perdida» de Kirby / Lee Fantastic Four, Fantastic Four: The Lost Adventure (abril de 2008), con páginas sin usar que Kirby había dibujado originalmente para una historia que se publicó parcialmente en Fantastic Four # 108 (marzo de 1971).
En 2011, Dynamite Entertainment publicó Kirby: Genesis, una miniserie de ocho números del escritor Kurt Busiek y los artistas Jack Herbert y Alex Ross, con personajes propiedad de Kirby publicados anteriormente por Pacific Comics y Topps Comics.

Disputa de los derechos de autor:
El 16 de septiembre de 2009, los cuatro hijos de Kirby entregaron notificaciones de despido a The Walt Disney Studios, 20th Century Fox, Universal Pictures, Paramount Pictures y Sony Pictures para intentar hacerse con el control de varios personajes de la edad de plata de Marvel. Marvel trató de invalidar esas afirmaciones. A mediados de marzo de 2010, los hijos de Kirby demandaron a Marvel para rescindir los derechos de autor y obtener ganancias de las creaciones de cómics de Kirby. En julio de 2011, el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York emitió una sentencia sumaria a favor de Marvel, que fue confirmada en agosto de 2013 por la Corte de Apelaciones del Segundo Circuito de los Estados Unidos. Los Kirby presentaron una petición el 21 de marzo de 2014 para una revisión del caso por parte de la Corte Suprema de los Estados Unidos, pero se llegó a un acuerdo el 26 de septiembre de 2014, y la familia solicitó que la la petición sea desestimada. Si bien el acuerdo ha dejado incierto el derecho legal a las obras regidas por la Ley de derechos de autor de 1909 creada antes de que la Ley de derechos de autor de 1976 entrara en vigor.

Legado:
Glen David Gold escribió en Masters of American Comics que «Kirby nos eleva a todos a un reino en el que volamos entre las alas batientes de lo inmortal y lo omnipotente, los dioses y los monstruos, para que todos los soñadores podamos ser anfitriones en nuestros propios mitos.

Michael Chabon, en el epílogo de su novela ganadora del premio Pulitzer The Amazing Adventures of Kavalier & Clay, un relato ficticio de dos pioneros del cómic, escribió: «Quiero reconocer la profunda deuda que tengo con esto y todo lo demás que he tenido. alguna vez escrito a la obra del difunto Jack Kirby, el Rey de los Cómics «.
El director James Cameron dijo que Kirby inspiró el aspecto de su película Aliens, calificándola de «no intencional en el sentido en que me senté y miré todos mis cómics favoritos y los estudié para esta película, pero, sí, el trabajo de Kirby definitivamente estaba en mi programación subconsciente». . El tipo era un visionario. Absolutamente. Y podía dibujar máquinas como nadie. Era algo así como AE van Vogt y algunos de estos otros escritores de ciencia ficción que son capaces de crear mundos que, aunque vivamos en el mundo de hoy, todavía están mucho más allá de lo que estamos experimentando.

Varias imágenes de Kirby se encuentran entre las del conjunto de sellos conmemorativos «Marvel Super Heroes» emitidos por el Servicio Postal de Estados Unidos el 27 de julio de 2007. Diez de los sellos son retratos de personajes individuales de Marvel y los otros 10 sellos representan portadas de cómics de Marvel individuales.

En el programa de televisión Superman: The Animated Series de la década de 1990, el aspecto del detective de policía Dan Turpin se inspiró en Kirby.

En el episodio de 1998 «The Demon Within» de The New Batman Adventures, Klarion hace que Etrigan ingrese a Kirby Cake Company. Ambos personajes fueron creados por Kirby.
En 2002, el percusionista de jazz Gregg Bendian lanzó un CD de siete pistas titulado Requiem for Jack Kirby, inspirado en el arte y la narración de Kirby. Los títulos de los cortes instrumentales incluyen «Kirby’s Fourth World», «New Gods», «The Mother Box», «Teaneck in the Marvel Age» y «Air Above Zenn-La».

Varios creadores de cómics y dibujos animados han hecho homenajes a Kirby. Los ejemplos incluyen la serie Teenage Mutant Ninja Turtles Mirage Comics («Kirby and the Warp Crystal» en Donatello # 1, y su contraparte animada, «The King», de la serie de dibujos animados de 2003). El episodio de Superman: The Animated Series titulado «Apokolips … Now !, Part 2» fue dedicado a su memoria.

En junio de 2018, las películas de Hollywood basadas en personajes co-creados por Kirby habían ganado en conjunto casi US $ 7,4 mil millones. El propio Kirby es un personaje interpretado por Luis Yagüe en el cortometraje español de 2009 The King & the Worst, que está inspirado en el servicio de Kirby en la Segunda Guerra Mundial. Es interpretado por Michael Parks en una breve aparición en el drama Argo (2012), sobre la travesura canadiense.
Una obra de teatro basada en la vida de Kirby, King Kirby, de Crystal Skillman y el exitoso escritor de cómics del New York Times Fred Van Lente, se representó en el Brick Theatre de Brooklyn como parte de su Comic Book Theatre Festival anual. La obra fue una selección del New York Times Critics y fue financiada por una campaña de Kickstarter.
Para conmemorar el cumpleaños número 100 de Jack Kirby en 2017, DC Comics anunció una serie de one-shots que involucran a personajes que Kirby había creado, incluidos The Newsboy Legion y Boy Commandos, Manhunter, Sandman, The New Gods, Darkseid y que terminan con The Black Racer. y Shilo Norman.

Falcon y el Soldado de Invierno: otro éxito de Marvel.

Falcon y el Soldado de Invierno
Por: Darío Valle Risoto

Luego de ver durante dos días la versión de la Liga de la Justicia de Zack Snyder y quedarme con ganas de quemar todas mis revistas de DC me encuentro con este capítulo inicial de una miniserie sobre los héroes: Falcon y El soldado de Invierno, hijos directos del universo Marvel y sobretodo de la trilogía del Capitán América y de The Avengers Infinite war y End Game.

No esperaba mucho de esta serie, en realidad no esperaba nada y en menos de una hora me llegaron a impactar, desde la acción de Falcon rescatando a un soldado usamericano de las garras del terrorismo (Léase todo lo que no le gusta a los EEUU) y luego de su relación familiar posterior al “Blip” que para los que no saben fue la desaparición del 50% de toda cosa viva del universo durante cinco años hasta que Tony Stark y compañía la recuperaron con la consabida locura de que para los “vivos” transcurrieron cinco años y para los “esfumados” solo segundos.

Por otro lado tenemos a “Bucky” Barnes que tiene que lidiar con su programación como asesino de los comunistas y trata de enmendar viejos errores u horrores donde por ejemplo se encarga de ayudar a un anciano japonés que perdió a su hijo asesinado o captura a una ex agente de Shield, etc.

Muy buen capítulo, muy usamericano, ¿Qué podíamos esperar? Pero me saco el sombrero, estos tipos en menos de una hora me entretuvieron e impactaron, cosa que la mencionada ultra extensa y larga película de la Liga de Snyder no hizo.

A vos no te gusta nada o la levedad del Futbol

Maddie Crump

The Discovery: Después de estirar la pata.

The Discovery
Por: Darío Valle Risoto

Luego de décadas de investigación un científico descubre que hay vida después de la muerte; esta es la premisa principal de una película bastante lenta pero que nos deja más preguntas que respuestas en torno a un tema que ha ocupado a la humanidad desde que el primer Neanderthal vio a un muerto y comenzó a imaginar donde pudo haberse ido.

Protagonizada por el veterano Robert Redford la historia trata de lo antedicho con el agregado de diversas historias personales como la de su hijo que vuelve a casa o la de “Isla” una mujer tan atractiva como misteriosa. En síntesis es una buena película de ciencia ficción que afortunadamente carece de toda mención religiosa cristiana o de otro tipo en torno a otra vida, resurrección, reencarnación o tonterías por el estilo y se remite a la experiencia de intentar grabar en video lo que sucede después de muertos.

Lo que me parece brillante es que la película no trata de ser ni formidable ni espectacular y se remite a situaciones cotidianas entre este científico, sus seguidores en una especie de secta y la experiencia de su hijo en torno al suicidio de su madre muchos años antes que lo marcó de por vida.

En lo personal como un completo escéptico de todo lo que signifique vida después de la muerte y completamente convencido de que muerto es muerto y para siempre, le doy gracias a mi padre que frente a mis dudas de niño sobre la muerte siempre me decía que nos dormimos para siempre pero sin soñar, que solo queda la nada.

De todas maneras es una película interesante, bien narrada y que nos hace pensar bastante.

Justice League la versión de Zack Snyder : Cuatro horas de lo mismo.

Justice League la versión de Zack Snyder 2021
Por: Darío Valle Risoto

Nacida de una campaña en internet a por ver esta versión, por fin no hace muchas horas, se estrenó la extensísima y por momentos insoportable versión de la Liga de la Justicia de Zack Snyder, la que algunos suponen hubiera sido la versión oficial si él no se hubiera retirado de la dirección en su momento y por lo tanto fue terminada por el director: Joss Whedon.

Por lo pronto en su momento la versión oficial me gustó bastante aunque sigo teniendo serias discrepancias tanto de las visiones de Snyder como de las de Nolan en torno a los personajes e historias de DC, en cuanto al primero creo que continuamente intenta recrear la atmósfera de la genial Watchmen imbuyendo a los personajes de características oscuras y misteriosas quitándoles el colorido y el dinamismo de sus versiones en cómic, quizás esto se deba a que pretenden separarse de Marvel en el cine o piensan que es mejor tratar de mostrar como reales precisamente a personajes que desde todos los puntos de vista no lo son.

Bien, vi la película en dos partes de dos horas cada una porque la primeras dos me resultaron bastante tediosas sobre todo por el primer golpe de asco que fue ver a un grupo de muchachas nórdicas cantándole a Aquaman en aquella recordada situación en que Bruce Wayne (El que le cuenta a todo el mundo que es Batman) va a buscar al hombre que habla con los peces. La segunda escena asqueante fue la extensión de la aparición de Wonder Woman luchando contra unos terroristas, en este caso tiene un breve diálogo con una niña que supuestamente es una princesa y esta le pregunta si algún día podrá ser como ella y la pelotuda le contesta que podrá ser todo lo que ella quiera. ¡Claro si es princesa! Este diálogo “Disney” me predispuso mal y pensé entonces en que Wheddon mostró lo justo y necesario en esta escena más ahora se trata de estirar la historia para complacer a los Snyderfanáticos.

Finalmente ayer vi las dos horas finales y me quedé con la sensación de haber visto una versión por momentos innecesariamente estirada de la original donde quizás lo más positivo sea que dentro de esta está nada menos que la película de Cyborg porque en este caso el personaje es esencial en la historia y la resurrección de Superman prácticamente sucede al santo botón con la aparición por dos veces del Detective Marciano (¿?) y más no sea para complacer al Snyderfanático. El final obviamente nos hace pensar en una continuación que espero que de esta manera nunca se haga porque ya está más cerca de una versión de Mad Max con superhéroes que de la Liga de la Justicia.

Se le quitó la escena de la familia rusa que se le adjudica a Wheddon y todo el mundo criticó, pero tenemos a este Flash bastante adolescente salvando a Iris y también apariciones de Mera más extensas… bueno, todo es más extenso, cuatro horas para contarnos algo que en los dibujos animados nos cuentan en poco más de una y mejor, pero… en fin.

En síntesis no digo que la película sea mala, se disfruta bastante y se nota que está hecha para complacer a los fans cerrando una trilogía que comenzó con Man of Steel que no es otra cosa que una nueva versión e Superman II con flashback de la primera Superman, Batman vs Superman con “Martha incluida” y aparentemente termina aquí aunque ya creo que están a punto de iniciar una campaña para JLA 2.

Por lo pronto a Snyder como a Nolan los tomas o los dejas, sigo considerando que son buenos directores pero muy sobrevalorados y como escribí antes: Watchmen para mí sigue siendo la mejor película de súper héroes de la historia, más de nada sirve intentar contagiar de esa atmósfera a los restantes personajes de DC porque son otra cosa, lo que más lamento es lo poco que se aprovechó a Ben Affleck como Batman, incluso en esta película no está la magnífica escena inicial donde se enfrenta por primera vez a un Parademon.

Si realmente tuviera la paciencia necesaria haría mi propia versión de esta película con partes de las dos porque en esta se han olvidado de buenas escenas como la anterior o la discusión entre Bruce y Diana en la Baticueva, pero tenemos tres momentos musicales de mierda y una vez más la canción. “Hallelujah” que parece que a Snyder lo tiene obsesionado. Finalmente la carrera entre Flash y Superman en la escena post créditos de la versión original…no tiene precio y aquí no existe.

PD: Aclaro que vi la película intentando que me guste, creo que me gustó en un 60% pero la verdad esperaba que me sorprendan y no sucedió.

PD2: Alguien que seguramente tiene mucho más tiempo que yo para leer los cómics me explica que las mujeres que cantan cuando Aquaman se va son una tribu perdida de la Atlántida y que la princesita «Disney» que salva la Mujer Maravilla no es otra que Donna Troy, si, la misma de los Teen Titans… magnífico, inmediatamente recordé cuando hace mil años vi la famosa película: 2001 odisea del espacio que casi nadie comprendió y un amigo me dice: __Lo que pasa que si leíste el libro todo se comprende. A lo que le respondí que una película debe comprenderse por si misma o que avisen antes de entrar que uno debe leer el libro o las revistas en este caso. De todas formas esta versión de La Liga de la Justicia es un refrito hecho pura y exclusivamente para fans a los que sin duda no pertenezco y bienvenidas sean todas las opiniones.