66: Déjame entrar

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66 Déjame Entrar

Mis 100 Películas
Por: Darío Valle Risoto

Su nombre original es: “Låt den rätte komma in” pues se trata de una película de origen sueco cuya traducción es: “Déjame entrar” y que inmediatamente a los pocos minutos de verla uno se da cuenta de que está frente a una auténtica obra maestra que si bien la podemos etiquetar como cine de terror va mucho más allá adentrándose en el triste fenómeno del abuso (Bullying para los yanquis) que un niño sufre no solo de sus compañeros de escuela sino también de sus propios padres.

Con una ambientación fría y solitaria la historia narra del amor adolescente que este niño siente por una nueva vecina que es bastante particular digamos que en su hábitos de alimentación, más toda la historia tiene una majestuosa forma de narrarnos cada momento, cada situación que solamente podernos encontrar en el cine europeo por más que dos años después los usamericanos nos mostraran su propia versión que también es excelente. Yo diría que es una de las pocas ocasiones en que los tipos casi llegan a equiparar la obra original y bien vale la pena ver ambas.

Déjame entrar es realmente una de esas joyas de la cinematografía europea que quizás no haya sido disfrutada por muchos pensando en que solamente se trata de cine de terror, más en cuanto vemos la puntillosa muestra de lo sicológico nos sacaremos el sombrero.

Proviene de una novela que no he leído, más por allí me han deslizado el origen de “la niña” y la verdad que esto me ha dejado perplejo. Así que esta película por supuesto que tenía que estar entre mis preferidas de toda la vida.

Info de Déjame entrar

Mi comentario sobre la versión usamericana

ATENCIÓN: AQUÍ LA NOVELA COMPLETA EN CASTELLANO

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¿Que son los: O.S.T.?

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¿Que son los O.S.T.?
Por: Darío Valle Risoto

“Original Sound Track” se le denomina a aquellas bandas sonoras que contienen las canciones que forman parte de una película, a la música incidental o a la combinación de ambas, que se editan para el consumo de aquellos espectadores que quieren conservar a forma de documento sonoro estos elementos insustituibles a la hora de conformar el producto artístico llamado: cine.

Hay películas que utilizan canciones famosas como por ejemplo la banda sonora de: “Forrest Gump” o de “Buenos Días Viet Nam” a modo de soporte a lo que se quiere contar o porque en estos casos formaron parte de una época o momento histórico determinado. “La banda sonora de mi vida” dicen algunos a la hora de rememorar determinados momentos personales asociados a tal o cual canción: Todos tenemos algún ejemplo.

También hay casos en que se componen canciones especialmente para la obra artística dado el caso por ejemplo de: “Cantando bajo la lluvia” o de: “Cabaret” solamente para citar dos ejemplos muy conocidos de miles de estos.

Si bien no es tan común como las canciones hay bandas sonoras de música incidental que han superado el tiempo y se han impuesto quizás y aún por sobre las propias películas dado los casos a modo de ejemplo de la música de la película: “Jaws” (Tiburón) compuesta por el famoso compositor: John Williams o de la característica música de la película: “El Exorcista” llamada: “Campanas Tubulares” y compuesta por el inventor del sistema Dolby de sonido: Mike Oldfield. De seguro mientras leen este artículo a muchos de ustedes les vendrán a la mente muchas canciones y músicas de películas y de eso mismo se trata: De crear un posicionamiento de la película por medio de la elección de aquel soporte musical que más se pueda asociar a ella.
Otro ejemplo clásico también de John Williams es el tema para las películas de Superman protagonizadas por Christopher Reeve, tema que ha superado ampliamente el tiempo y la distancia y que inmediatamente asociamos al personaje.  Tenmos también: “La Marcha Imperial” de la famosa saga: Star Wars de George Lucas es otro caso.

Un capítulo aparte podríamos decir que son propiamente las películas musicales o las óperas Rock, de esta última: “Fantasma en el Paraíso” compuesta mayoritariamente por Paul Williams un autor que para mi gusto mereció mucha mejor fama de la que tuvo, a menos en esta parte del mundo. Dos obras en este estilo pienso que ineludibles son: “Jesucristo Súper Star” y desde luego que: “Tommy”.

Hay sagas famosas como la de James Bond que han tenido la impronta de acostumbrarnos a un tema musical compuesto por un artista de cada momento los que generalmente también es imposible disociar de la película, con diferentes resultados tenemos por ejemplo: “Live and let die” compuesta especialmente por Paul McCartney o: “Die another die” compuesto por Madonna. No olvidemos que las películas de este agente secreto creado por Ian Fleming datan del año 1962 y a la fecha son nada menos que veintitrés.

Con el nacimiento del canal por cable: MTV se dio un amplio auge del fenómeno del video clip que constaba de una pequeña obra (Corto o vídeo clip) cinematográfica asociada a alguna canción, lo que era una especie de camino inverso: En este caso hasta con directores o fotógrafos famosos se ideaba un vídeo para engalanar una canción. Este podía ser con una narrativa clásica o se podían admitir todos los estilos artísticos imaginables. Por lo tanto no es de extrañar que aparecieran películas con la clara intención de posicionar a uno o varios artistas musicales más allá del valor o no de este tipo de cine bastante discutible para los puristas. En lo personal recuerdo dos ejemplos muy claros de este tipo de películas: “Flash Dance” y “Fama” donde parecía que se estaba más interesados en vender los discos de las canciones, poner sobre el tapete a los artistas que las propias obras cinematográficas. No nos olvidemos de: “Fiebre del sábado a la noche” y “Grease” dos películas absolutamente magníficas para beneplácito y exposición de sus compositores principales los: Bee Gees.

En definitiva la obra cinematográfica es imposible de separar de su música tanto incidental como de las canciones (Si las tiene) porque todo ello conforma un producto destinado a contarnos algo de la mejor forma posible, aún por encima de la realidad ya que si viéramos muchas películas de las antes mencionadas y la mayoría de la historia del cine sin sonido perderían gran parte de su valor artístico.

Para terminar con este escueto y muy breve repaso a mi gusto por el cine y por ende a mi colección de soportes de audio de películas les diré que hay muchísimo material sobre el cine, bandas sonoras que marcaron época, desde la música de la Pantera Rosa creada por Henry Mancini a la característica de la serie: Misión Imposible de autoría del músico argentino: Lalo Shifrin que luego pasara al cine y miles de casos como la enorme, maravillosa música de: “El Padrino” o la imborrable creatividad de monstruos de la música y del cine como: Enio Morricone o Vangelis solamente por cintar los que ahorita me vienen a la mente.

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Hoffa 1992

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Hoffa: Un Pulso al Poder
Por: Darío Valle Risoto

Confieso que solamente soporté una hora cincuenta minutos de la extremadamente larga película de Scorcesse: The Irishman y que no he encontrado el valor para terminarla y así comentarla con justicia, más por allí alguien dijo que era un refrito de: Goodfellas del mismo director, lo que me pareció muy acertado y a mí me motivó a ver esta excelente biopic llamada: “Hoffa” y magistralmente protagonizada por Jack Nicholson sobre el activista sindical de los camioneros que llevó a sus compañeros trabajadores en los EEUU a recibir los beneficios que se merecían tras largas luchas que se cobraron varias vidas por el camino.

Como co-protagonista haciéndola de su amigo tenemos a Danny DeVitto que también dirige la historia de un hombre controvertido que se opuso a la familia Kénnedy, un grupo de niños bien que no veía con buenos ojos el enorme poder de este líder sindical que fue tachado de comunista en un país donde según parece lo que debería ser motivo de orgullo es mala palabra porque allí manda don dinero.

Hoffa aparece en the Irishman retratado por Al Pacino que se parece tanto al verdadero como un servidor a Brad Pitt, pero ese es otro tema, porque aquí en esta no solo el parecido es enorme, también tenemos una actuación fabulosa de otro gran monstruo del cine que en 1992 vivía su gran momento, por otra parte esta película al abordar toda la lucha de Jimmy por oponerse al status quo donde los patrones hacían y deshacían no tuvo quizás otra opción que aliarse a la mafia donde por allí ayudó con los millones del fondo de pensión para que se creara la ciudad del juego de Las Vegas.

Luego de ser investigado, perseguido y asediado por la administración Kennedy Hoffa terminó preso y al salir se encontró con que habían fraguado que nunca más volviera a ser presidente del sindicato de camioneros, un tiempo después desapareció de la faz de la tierra y se presume que fue asesinado por la mafia porque preferían al actual presidente que les prestaba dinero sin hacer preguntas.

A mí lo más interesante de esta película y obviamente de la vida de Jimmy Hoffa además de que también acabo de ver un documental sobre el verdadero, es su enorme capacidad y solidaridad para apoyar a sus colegas al punto de dar su vida por ello y esta película es una elocuente aproximación a ello.

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Había una vez en Hollywood: Tarantino sigue siendo un genio.

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Había o Erase una vez en Hollywood
Por: Darío Valle Risoto

Película muy largamente esperada del escritor y director Quentin Tarantino que cumple absolutamente con todo lo que podemos esperar de su genio indiscutido por más que haya gente que no guste de su trabajo o no llegue a comprender su particular gramática tanto en lo visual como en los diálogos entre sus personajes.

En este caso podemos calificar de muchas maneras a esta historia que transcurre en Los Ángeles en 1969 y aborda la relación de trabajo y amistad entre; Rick Dalton un actor que se está viniendo a menos y Cliff Booth su amigo que a la vez actúa como su doble de riesgo, chofer y se dedica a de todo un poco como su empleado.

Como es habitual la fotografía es exquisita y por tratar del mundo del cine y también de la televisión de aquel año tan particular para los estados unidos y el mundo tenemos por cierto que continuos repasos en lo musical y por sobretodas las cosas una ambientación sublime de aquellos tiempos tan locos donde el asesinato de la actriz Sharon Tate por parte de los dementes seguidores de Charles Manson aterró a los vecinos de Hollywood y del mundo. Bueno: Ya suficiente terror tenían con Viet Nam.

Margot Robbie interpreta a Sharon Tate la que aquí salvo la escena en que va al cine a ver una película con ella como actriz en realidad aparece como una protagonista tangencial como toda esa historia que la involucrará pero con un final muy sorpresivo, muy Tarantino lo que es como repetir lo mismo dos veces.

Hay así también un despliegue de personajes muy recordados: Al Pacino interpreta a un famoso productor, tenemos un par de escenas con Bruce Lee y a Stevie McQueen dentro de una especie de gran conglomerado de época que nunca decae pese a las casi tres horas de película, lo que en estos tiempos de exageradas duraciones suelo criticar pero aquí cada segundo vale la pena.

Para mi sorpresa tenemos a Margaret Qualley haciendo un pequeño papel de niña hippie con una escena en el auto con Brad que está muy buena pero en general solamente es otra parte de una comparsa donde solamente todo está armado para el enorme lucimiento de esta excepcional pareja de actores bien parecidos, carismáticos y sumamente talentosos.

Obviamente le podemos criticar que es una película absolutamente yanqui de pies a cabeza, no se trata de otra cosa y tal como muchas buenas obras de ese estilo es una mirada de “entrecasa” para los Estados Unidos que a nosotros a pesar de estar adiestrados en su cine desde la cuna por momentos quizás nos resulte demasiado: Gringa… por decir algo.

En síntesis hoy acabo de verla para escapar de esta vorágine de las elecciones en el Uruguay donde le escapo absolutamente a esa demente cobertura peridodistica de los lugares de votación y de los políticos sacándose fotos con un sobre en la mano para no despertar en mí: sentimientos genocidas.

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El Desierto Rojo de Antonioni

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El Desierto Rojo
Por: Darío Valle Risoto

Una amiga de facebook me pedía su opinión sobre esta película porque según ella en su tiempo tuvo cierta controversia sobre diferentes visiones de esta obra del famoso director Antonioni del año 1964.

Lejos estoy, muy lejos de ser crítico de cine, simplemente soy cinéfilo desde que iba al cine intermezzo en la barriga de mi madre, más hay obras que exceden mi poder de captar sus valores artísticos que seguro “El desierto Rojo” los tiene, por algo en su tiempo ganó el primer premio en el festival de Venecia lo que no es ninguna bobada.

Pero como dijo el caníbal: “Vamos por partes”, desde el punto de vista de su fotografía puedo arriesgar que la película tiene tres porciones fácilmente detectables: Un inicio que yo llamo: “Contaminado” donde la protagonista encarnada por Mónica Vitti se mueve entre desechos industriales, humo y toda esa cosa que ya en el 64 el progreso nos regalaba, luego el entorno mejora en una última parte donde cambian las imágenes con algún cuarto todo rosa o la habitación roja aún en la porción inicial pero con cierto mensaje que se me escapa y una orgía entre cuatro mujeres y cuatro hombres que nunca se consuma. En medio tenemos la porción: “De la playa rosada” sobre una historia que esta protagonista le cuenta al hijo y que está muy por fuera de todas estas imágenes antes compartidas de deshechos y habitaciones raras.

Richard Harris es el otro protagonista, un industrial que queda prendado de esta mujer esposa de un colega, la que tuvo un accidente de automóvil y no quedó con la cabeza muy clara por lo que anda por toda la película errática y con el cabello hecho un asco. Se me ocurre que si tomáramos solo esta actuación de la famosa Mónica Vitti la verdad que deja mucho que desear pero supongo que tuvo mejores trabajos.

En síntesis y hablando en criollo la película es: “Tremendo plomazo” y perdóneme señor Antonioni por esta coproducción Franco-Italiana que bien parece hecha sin argumento soltando a la loca para que camine y tenga absurdos diálogos como aquel en que le pregunta al tipo si es de izquierda o de derecha y luego…nada.

Muy probablemente yo sea un bruto energúmeno que solo entiende películas de superhéroes o dibujos animados y no haya comprendido El Desierto Rojo, más si el cine esencialmente se trata de entretenimiento, esta película llegó a aplanarme tanto que temí sucumbir ante la presencia ignominiosa de esta mujer absurda y un guion que sencillamente no dice absolutamente nada.

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El Pianista

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El Pianista
Por: Darío Valle Risoto

Esta excelente película dirigida por Roman Polansky y protagonizada por Adrian Brody ya tiene varios años de estrenada pero la verdad que recién ayer la vi completa ya que siempre la cazaba en el cable y veía por lo tanto generalmente los tramos finales.

Se trata pues de la historia desde luego que trágica de un pianista judío polaco que termina obligado a vivir en el gueto de Varsovia en los terribles días de la segunda guerra mundial y por lo tanto deberemos ser espectadores tal como lo es él de la tremenda barbarie humana perpetrada por los nazis.

Hay momentos de extrema y gratuita violencia hacia personas pacíficas: mujeres, niños, ancianos que ponen los pelos de punta y les puedo decir que si uno llega a ver esta película con total abstracción fácilmente puede contagiarse del miedo, el desosiego y la vulnerabilidad de este hombre que nada puede hacer ni por su familia ni por sus amigos porque parece que toda esa abrumadora maquinaria del terror nazi era imparable.

Hay muchas películas que narran lo que le tocó vivir a los judíos en esos días, sabemos que no fueron las únicas víctimas de estos miserables soldados de la destrucción pero inevitablemente  nos damos cuenta de que fueron el foco de esa retorcida cuestión del espacio vital que generó millones de muertos y aquí se narra particular y específicamente cada momento de este barrio de Varsovia que de pronto se convirtió en un campo de concentración y que en un momento resistió como nadie lo imaginaba contra los criminales nazis.

El pianista sobrevive pero es elocuente el momento final en que vuelve a su antiguo trabajo como músico de la radio y se reencuentra con un viejo compañero, también hay un nazi en particular que al final de la guerra le da una mano aunque eso no lo exonera de nada y nos enteramos que murió en un campo de prisioneros Ruso hacia el final. Cosa que me parece formidable.

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